Pedro F Navarro

Educación y Biblioteca nº 183

2011-07-10T13:43:00.003+02:00

Acaba de aparecer la revista Educación y Biblioteca de Mayo-Junio de 2011 en su número 183 con un dosier dedicado al ilustrador levantino Miguel Calatayud. El dosier se llama Inalterable fascinación y ha estado coordinado por Gustavo Puerta Leisse. Han colaborado Miquel Obiols, Javier Carvajal, Ana Luisa Ramirez, Pilar Sancho, Jesús González, Vicente Ferrer, Gamon, Joan Manuel Gisbert, Vicente Vilana, Pablo Auladell, Rogelio Rodríguez, Joaquín González, Miguel Ángel Díez, Aitana Carrasco, Artur Heras, Pablo Alberto Mestre, Federico Martín Nebrás y quien suscribe.

Entrevista en Humor a l'Art

2011-05-03T13:40:00.001+02:00

Nos han realizado una entrevista sobre el cómic Me llamo barro en la página Humor a l'Art.
Pueden leerla aquí.

Almanaque Comestible

2011-05-01T12:29:00.006+02:00

Acaba de aparacer Almanaque Comestible (Edicions de Ponent) donde se encuentra la historieta Un banal infortunio que he realizado junto al dibujante Pablo Auladell.
Hace un tiempo les di un avance aquí.
Espero que les guste. Ya me cuentan.
Más información sobre la obra aqui y aqui.

Firma y presentación

2011-04-20T16:20:00.006+02:00

Bueno, he estado en algunos actos últimamente, les matizo.

El pasado domingo 10 de Abril firmé ejemplares de "Me llamo barro" junto con el dibujante de la obra, Miguel Ángel Díez y el escritor y profesor universitario, Manuel Benítez en la Feria del Libro de Aspe, pinchen aquí.

Como les anuncié, el pasado 15 de Abril presenté junto con al dramaturgo Antonio Cremades y el escritor Pedro Juan la novela "El Extraño" ganadora del Premio Andrómeda 2009 de Ficción Especulativa del escritor Manuel Benítez, pinchen aquí y aquí.

En ambos casos estuve encantado, felicidades a todos los organizadores...

Presentación de la novela El Extraño

2011-04-08T23:35:00.005+02:00

Quiero invitarles a la presentación de la novela El Extraño de Manuel Benitez Bolorinos ganadora del Premio Andrómeda de Ficción Especulativa 2010. Tendrá lugar el próximo viernes 15 de Abril en el Teatro Wagner de Aspe a las 20:30h. Tendré el honor, junto con Antonio Cremades, dramaturgo, y Pedro Juan, escritor, de realizar la presentación.

Les esperamos.

"Miguel Hernández cobra vida en el cómic..."

2011-03-23T22:38:00.005+01:00

Nos entrevistaron en Aspe en Red. Si quieren saber que ocurrió, pinchen aquí...

El Extraño

2011-03-05T16:31:00.003+01:00

El extraño. Manuel Benítez Bolorinos. Editorial Andrómeda. Rustica.

Les voy a hablar de una novela de ciencia ficción.
Un hotel en medio de una selva. Un edificio de setenta plantas con diez habitaciones por cada una de ellas y un número indeterminado de sótanos y subsótanos. Rodeado de muros imposibles de traspasar, donde viven los clientes fundadores y sus trabajadores. Una sociedad claustrofóbica y hermética sostenida por medio de normas y jerarquías. Hace más de medio siglo, unas esporas mortales asolaron este mundo. El hotel está rodeado por una red protectora que aísla a sus habitantes del exterior y los protege de la infección. Fuera viven unos seres llamados los extraños que habitan en la selva e intentan entrar en el recinto. Nadie sabe por qué. Corre el rumor que su alimento es la carne humana. Acaba de cometerse un asesinato, Duncan, el jefe de seguridad, inicia una investigación bajo la vigilante y atenta mirada del subdirector del hotel, Keppler. Más allá de la planta 70, en el ático, sobre todos los habitantes del edificio, gravita una presencia enigmática que nadie ha visto a excepción de Keppler: el director del hotel.
Manuel Benítez Bolorinos (Aspe, Alicante, 1971) recibió por este trabajo, ex aequo, el Premio Andrómeda 2009 de Ficción Especulativa. Profesor del departamento de Historia Medieval de la Universidad de Alicante, es un enamorado de la ciencia ficción en todas sus vertientes: space opera, ficción especulativa, anticipación futurista, etc. No es esta su primera novela, pero sí será la primera en aparecer editada. La culpa de que Manuel escriba ciencia ficción la tiene una de las obras más importantes del género que le marcó profundamente: La maquina del tiempo de H. G. Wells.
Manuel ha sabido crear una obra de múltiples lecturas, una parábola compleja. Ha desarrollado un mundo creíble, posible, al que entramos desde las primeras frases. Con un lenguaje directo y una narrativa vital transporta al lector a este futuro como si lo conociera de siempre, como si le resultara cercano. Su trabajo tiene una velocidad y un ritmo ascendente, nada sobra y nada falta en el texto para que asistamos al desarrollo de una historia que nos llevará a todos los escenarios que conforman el hotel. Pocas veces una lectura nos atrapa con tanta fuerza, pocas veces estamos ante una historia que nos mantiene en vilo capítulo tras capítulo. Estén atentos, en breve será presentada en el Teatro Wagner. Pueden seguir a este autor en su blog: www.manuelbenitezbolorinos.blogspot.com.
Dará que hablar.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en febrero de 2011)

Sergio Cordoba. Trazos de vida

2011-02-11T08:41:00.003+01:00

Acaba de aparecer en TEBEOSFERA un nuevo artículo que he escrito sobre la trayectoria principal del autor alicantino Sergio Córdoba. Se anunció ayer en su blog, concretamente aquí. El artículo lo pueden leer aquí. Además, TEBEOSFERA realizó una interesante entrevista al autor que pueden leer aquí. Espero que les guste. Ya me comentan.

Born Again

2011-01-16T16:05:00.002+01:00

Daredevil: Born Again. Frank Miller y David Mazzuchelli. Col. Marvel de Luxe s/n. Panini Comics. Cartoné. 224 págs. Color.

“Un hombre sin esperanza es un hombre sin miedo”
Esta frase me marcó a fuego. Cuando llegó a mis manos este cómic me enfrenté a algo más que a una nueva historia de superhéroes.
Dice Alejandro Viturtia en el prólogo de la nueva edición: “Born Again. Nacido otra vez. Así es como muchos creyentes norteamericanos denominan al que ha visto la luz y se ha convertido al cristianismo después de una vida alejada de la fe. Por extensión se puede aplicar a cualquier cambio radical que le sucede a una persona. O en este caso, a un cómic”.
Daredevil es un personaje ciego que tiene sus sentidos aumentados debido a un accidente sufrido en la niñez. Fue creado en la década de los sesenta dentro de la industria mainstream del cómic norteamericano. Un joven Frank Miller, a finales de los setenta, debido a su insistencia, y a un trabajo de encargo, consiguió hacerse con el dibujo, en primer lugar y más tarde con el guión de esta serie que estaba al borde de la cancelación. Los milagros no suelen ocurrir. Ocurrió. La etapa de este autor dentro de la colección se convirtió en un clásico desde el momento inicial de su publicación. Miller revolucionó la narrativa del cómic americano. Sus páginas, orgánicas, estaban adelantadas a su tiempo. Cuando marchó de la serie se pensó que había contado todo lo que quería contar de Daredevil. Se equivocaron. Unos años después volvió con una historia que se ha convertido en la más importante de toda la trayectoria de Daredevil, Born Again.
Frank Miller (Maryland, EEUU, 1957) y David Mazzuchelli (Providence, EEUU, 1960) realizaron en siete episodios la destrucción y reconstrucción del mito del superhéroe. Su muerte y su resurrección. Y lo hicieron en su totalidad, contemplando todos y cada uno de los aspectos necesarios para generar una obra compleja en lecturas y total en su concepción.
Daredevil es el abogado Matt Murdock. Su identidad secreta es vendida por una ex-novia por una dosis de droga. Esta información llega al rey del hampa de New York. Y a partir de este momento, el abogado pierde su empleo, es demandado por impagos y empieza un descenso a los infiernos que le llevará a la indigencia. Despreciado por todos, caído en desgracia se levantará.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en diciembre de 2010)

Presentación de Me Llamo Barro

2010-12-19T14:29:00.009+01:00

Gracias a todos por vuestra asistencia.

Y a Miguel y Patri por vuestras mágnificas fotografías.

Presentación de Me Llamo Barro

2010-12-04T19:03:00.011+01:00

Quedan invitados a la presentación de Me llamo barro.
Será el próximo viernes 10 de diciembre a las 20:30h en el Teatro Wagner de Aspe, situado en la c/ Castelar, 10.
Estoy seguro que será una noche emocionante.
Les esperamos.
No falten.

Snowhite

2010-11-20T14:33:00.005+01:00

Snowhite. Ana Juan. Col. Mercat nº12. Edicions de Ponent. Cartoné. 84 págs. B/N.

Cuando un cuento abierto en la niñez nos sobrecoge, nos impacta, se queda con nosotros durante toda la vida. Cuando ese libro se adhiere a nuestra imaginación, cuando no nos deja, podemos llegar a sentir una deuda, a sus autores o al libro en sí mismo. Cuando esa persona siente esa necesidad, entonces nos podemos encontrar con reescrituras, con reelaboraciones, con homenajes hacia esos textos. Snowhite es uno de ellos. Ana Juan (Valencia, 1961) siempre ha sido una autora de una remarcada personalidad, miembro del colectivo autoral de la mítica revista Madriz, planteó una serie El sombrerero de la calle Carretas (Madriz, 1986) que no fue entendida en su momento por el público y la crítica. Se trasladó al mercado francés y obtuvo el éxito que en este país se le negó. Ahora, acaba de recibir, el pasado mes de septiembre, el Premio Nacional de Ilustración otorgado por el Ministerio de Cultura con el objetivo de reconocer y distinguir el conjunto de la labor realizada por un ilustrador español, merecidísimo sin duda. Debemos tener en cuenta que, con el paso de los años, con la evolución de su estilo, ha destacado en multitud de mercados internacionales y es, en estos momentos, una de las firmas más solicitadas. Su carrera se reafirmó en el momento en que la prestigiosa revista de ilustración The New Yorker, (encargo soñado por cualquier ilustrador) la llamó para realizar una de sus portadas, aunque por aquel entonces ya trabajaba para los periódicos El País y El Mundo. No fue la última. Ha repetido en varias ocasiones más. Snowhite, es enigmática y transgresora, fue la reelaboración del cuento de Blancanieves de los Hermanos Grimm con la que en el año 2001 nos sorprendió Ana Juan. Este libro supuso la recuperación, por parte del editor Paco Camarasa, de una propuesta que no tenía cabida en los circuitos comerciales de grandes tiradas. Imagínense el cuento de Blancanieves pasado por el tamiz de Gorey o de Tim Burton, entonces podrán comenzar a hacerse una idea de la originalidad de esta adaptación. Una época, quizás decimonónica, nos aturde tras cada dibujo, el blanco y negro sobrecoge con sus masas y sus volúmenes, los rostros envueltos en enigmas y los giros narrativos, pese al conocimiento previo que tenemos del cuento, nos hacen leer esta obra con otra mirada.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en octubre de 2010)

Las ciudades oscuras

2010-10-29T08:38:00.011+02:00

Hace ya algunos años, en el 2003, escribí un artículo para la revista Las Estaciones de Nemo, fue publicado en su número 25 y supuso el inicio de mi relación con aquella publicación. Lo pueden consultar aquí, aquí y aquí.

Ahora, desde TEBEOSFERA me propusieron reelaborar aquél escrito actualizándolo hasta la fecha presente. La propuesta partió de Félix López y de Manuel Barrero.

Las ciudades oscuras, como saben, es una de mis debilidades, acepté enseguida.

Acaba de aparecer y de ser publicado en TEBEOSFERA.

En su blog fue anunciado ayer, pinchen aquí. El artículo lo pueden leer y consultar aquí.

Espero que les guste. No sean tímidos y díganme que les pareció.

Es curioso, este artículo, al igual que dio lugar al inicio de mi colaboración con Las Estaciones de Nemo, lo va a ser con TEBEOSFERA.

Curioso, ya les digo.

Me llamo barro

2010-10-11T11:01:00.006+02:00

Me llamo barro, Pedro F. Navarro y Miguel Ángel Díez, Edicions de Ponent. 2010, 80 páginas a color. Portada color y plastificado mate a una cara. Encuadernado en cartoné. Medidas (29,5cm x20cm), Fecha de Edición, 17 de Noviembre de 2010.

"Esta obra aborda la vida de Miguel Hernández desde el punto de vista de su amistad con el poeta Vicente Aleixandre. Una amistad imperecedera, irrompible, fiel, reflejada en unas páginas que huyen de ser una nueva biografía del poeta oriolano para transformarse en un vuelo poético que rememora momentos cruciales tanto de una vida, como de una amistad que siempre embargó y marcó a fuego tanto al poeta sevillano como al poeta alicantino. Es nuestro sincero homenaje, en el centenario de su nacimiento, a una figura universal de nuestra poesía."

Bueno, ya ven, ya es oficial. Ya saben que anduve haciendo este verano. Más información aquí, aquí y aquí.

Arly Jones

2010-09-29T10:23:00.003+02:00

Quería emplazarles a la inauguración de la exposición de Arly Jones "Trazos y Teclas", que tendrá lugar el próximo día 1 de octubre a las 20.30 h. en el Teatro Wagner de Aspe en Alicante.
Arly Jones es un ilustrador inclasificable que de seguro les sorprenderá gratamente.

Les esperamos.

No falten.

Waslala

2010-09-19T15:28:00.005+02:00

La Tetería Waslala acaba de editar una nueva carta. Y para mi sorpresa, han decidido volver a publicar de nuevo aquél cuento que les escribiera hace un tiempo y que titulé con el nombre de la propia tetería, Waslala.
Luisa y Pedro, los dueños, son unas personas encantadoras. Me lo han ocultado, y ahora que lo sé, me han alegrado la vida con su decisión. Además, la página, elegantemente maquetada, está adornada con un dibujo maravilloso, que transmite paz y calma, realizado por el dibujante Rubén Lavado Orts.
Uno no puede pedir más.
Desde aquí, os lo agradezco de corazón.

Dar a luz

2010-09-05T16:29:00.004+02:00

Estás acuclillada. Hueles mal. Todos se apartan. Te miran con asco. Saberlo no ayuda. El orín se escapa por los labios de tu entrepierna. Lo sientes resbalar por tus muslos. Moja la tierra reseca. No puedes evitarlo. Diste a luz no hace mucho. Te quitaron a tu hijo. A nadie le importa. Tus ojos son de tierra. Tus lágrimas de polvo. Sufriste en el parto. No salió bien. Deberías estar muerta. Por eso hueles. Por eso te orinas sin poder controlarlo. Es un castigo. Así lo piensan. Ahora la decisión está tomada. Te cogen. Te llevan. Abren una fosa. Te arrojan dentro. Te entierran viva. Saberlo no ayuda. Das manotazos contra las paladas. Tu boca se llena de arena. Tu lengua escupe polvo. Intentas luchar. Te apalean con los mangos. Te quedas quieta. Es lo que esperan.

(Este pequeño microrelato habla de esas mujeres, africanas sobre todo, que no consiguen tener una rápida atención médica en su parto. Generándoseles una lesión que las condena. Quisé realizar un texto atemporal y sin ningún referente geográfico. Generar una imagen que impactara y aturdiera. Que no fuera agradable. Espero que les guste.)

De vuelta

2010-09-05T16:27:00.000+02:00

Estoy de regreso. Comenzamos...

Felices vacaciones

2010-08-08T10:12:00.002+02:00

Nada. Que no he estado casi. Me disculparan. Ya saben, eso de escribir, y de entregar, me ha hecho imposible el estar más tiempo por aquí. Incluso, he tenido que aparcar este verano la columna mensual Noveno Arte ante la escasez del tiempo que dispongo.
Nos volvemos a encontrar en septiembre. Espero que tengan unas felices vacaciones. Hasta entonces. Un abrazo.

Cuanta tierra necesita un hombre

2010-07-17T19:33:00.002+02:00

Cuanta tierra necesita un hombre. Miguel Ángel Díez (Adaptación de cuentos de León Tolstoi). Col. Novela Gráfica. Edelvives. Cartoné. 101 págs. B/N.

¿Cuál es tu sueño? Pajom, un campesino ruso, sueña con tener más y más tierras en su poder. Lo hace por su familia. Es lo que se dice. Se engaña. Es ambicioso. Y la ambición se le desborda. Y el diablo le escuchará, y sin él saberlo, le aceptará un desafío lanzado a destiempo. Obtendrá tantas tierras como crea necesitar. Y paso a paso, mediremos su afán sin límite, y como la posesión de la tierra se le clava en el carácter, y como la medida de las cosas acaba perdiendo su sentido.
Miguel Ángel Díez (Aspe, Alicante 1973) ilustrador y dibujante de comics nos sumerge en el imaginario del gran escritor ruso Lev Tolstoi (1828-1910) con esta adaptación que conmemora el centenario de su fallecimiento. Sorprenderá al lector la elección de la obra a adaptar aunque se trata de un cuento muy conocido. James Joyce lo consideraba el mejor relato escrito jamás. Insertos en la narración se encuentran hasta siete cuentos a modo de pequeños relatos, de subtramas que no hacen más que agrandar la profundidad psicológica del cuento principal. Sin lugar a dudas, una adaptación arriesgada en su propuesta y un guión resuelto con audacia e inteligencia que lleva al lector de la mano por tierras rusas, paisajes áridos y la personalidad pétrea de campesinos adustos. La lucha por la tierra como único modo de supervivencia se impone a todo. En el apartado gráfico destaca el temple en la narración; una continuidad necesaria llevada con mano firme. El paso del tiempo adquiere un valor casi premonitorio, realzado por una serie de recursos impecables en su ejecución. El trazo sintético, rodeado de aguada, realza volúmenes y los personajes adquieren una capacidad de expresión que los vuelve vivos y creíbles.
Pajom realiza grandes esfuerzos por progresar. Lo hace por su familia. Lo hace buscando la felicidad. Y cada paso lo aleja más de ellas. No se da cuenta. Es incapaz de ver su error. Zajun, el contador de cuentos que le acompaña, es la conciencia del protagonista. Conciencia que no escucha. Le dirá: “No hay nada inútil sobre la tierra, ni siquiera las cosas que parecen insignificantes”. No le entenderá. La ambición de Pajom es una huída hacia delante carente de fin, y claro, de principios.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en mayo de 2010)

El Eternauta

2010-05-23T13:18:00.002+02:00

El Eternauta (Edición especial 50 aniversario). Héctor German Oesterheld y Francisco Solano López. Col. Norma Editorial. Cartoné. 366 págs. B/N.

Una noche, un guionista de historietas recibe la inesperada visita de un ser que se presenta como El Eternauta, un navegante de la eternidad, un viajero del tiempo. Tiene una historia que contar. La relata. Habla de quién era él: Juan Salvo, un pequeño empresario y de cómo una nevada destruyó su vida. Jugaba a cartas con amigos. La nevada, fosforescente, comenzó a caer. Se dieron cuenta. Los copos, al tocar algo vivo, lo mataban. Tuvieron suerte. Hacía frío y las ventanas estaban cerradas. Ningún copo entró. Tras el cristal el paisaje era atroz. Sólo muerte. Ahora ellos eran como unos modernos Robinsones. Unos náufragos. La invasión extraterrestre había comenzado.
Héctor German Oesterheld (Buenos Aires, Argentina 1919-1978) y Francisco Solano López (Buenos Aires, Argentina 1928) guionista y dibujante respectivamente comenzaron a serializar esta obra en el primer número de la revista Hora Cero Semanal un 4 de Septiembre de 1957; finalizándola en el número 106 el 9 de septiembre de 1959. Sin lugar a dudas, El Eternauta marcó a toda una generación y fue un hito desde el inicio de su publicación. No era una historia más de ciencia ficción. Los autores la ambientaron en Buenos Aires. Y la ciudad pasó a formar parte del imaginario colectivo de este género. El guión, dosificado con maestría, atrapa desde la primera línea, pese a la contradicción que supone lo que hoy podría llamarse un “exceso de texto”, bajo la pluma de Oesterheld se transforma en una pulsión narrativa. Los dibujos son excepcionales en su componente de ambientación así como todo el trabajo de interpretación de los personajes que se transforman con el paso de las viñetas en seres poco menos que reales y cercanos. El objetivo de los autores se cumple: el lector se identifica con la historia. Quizás el hallazgo narrativo más importante de esta historieta sea el uso del personaje principal como “un héroe grupal”. Es decir, usar un conjunto de personajes como personaje principal lo cual añade a las interrelaciones un gran valor narrativo.
El Eternauta es un clásico de la historieta. Pero, ¿qué forja un clásico? Fernando Ariel García nos contesta. Es una obra con “la capacidad de repensarse permanentemente, de cuestionar el tiempo ido y el presente. Su estatura de clásico se erige no por la calidad de sus respuestas, sino por la vigencia de sus preguntas”. ¿Aún no la han leído?

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en abril de 2010)

Noveno Arte, de noviembre de dos mil seis a febrero de dos mil diez en treinta y tres entregas.

2010-05-15T21:16:00.001+02:00

Es difícil. Sí, encontrarlo o que suceda. Cuando lo encuentras careces de palabras, o bien las palabras se vuelven inmediatamente al afecto. O quizás sean palabras que se mueven por la cuerda del agradecimiento. O quizás pueda ser esa persona, o circunstancia, o modo, o lugar llamado “valiente”. Cuando sucede, las páginas acaban perteneciendo a un tiempo, a una forma de pensar, o a varias formas de pensar, y quedan grabadas a fuego en una historia, en la historia.
Era octubre, el mes. Dos mil seis, el año. Se acercó como de casualidad, más tarde comprendí que no, que aquello no era azar, que existía una premeditación, una intención que además ni era ocultada, ni tampoco se mostraba en su totalidad. Ni prudente, ni inconsciente. Quizás sea un camino a mitad del significado de ambas palabras. O quizás fuera azar y casualidad. Quién sabe. La cara enmarcada por una sonrisa. La mano extendida hacia delante con toda la corpulencia de una persona que durante años se ha entregado al deporte. Me asalta el pasado. Lo recuerdo. Una imagen a cámara lenta. Una película con la duración de un instante. Sí, me ganó una carrera cuando jóvenes. Y no lo había olvidado porque aquello ocurrió en los últimos cincuenta metros. Había estado estudiándome. Y cuando tuvo la certeza. Apretó hacia delante. Llegó a mi altura. Cruzamos las miradas y me di cuenta que era imparable. Aquel instante se grabó en mi mente. No había decepción, ni rencor. Desde el primer momento le admiré cuando fríamente nos dimos las manos. Decidí no competir más. Esa reacción última, ese vestigio que separa la gloria del fracaso no lo iba a saber articular. Porque era irracional. Y esa irracionalidad no comprendía cómo desarrollarla.
Ahora estaba frente a mí. En aquel teatro, en un momento importante. Sobre todo por la dificultad que supone. Era una entrega de premios. Su cara sonriente. Su mano extendida. Le sonreí. La choqué. Quienes me conocen saben que soy un tímido irremediable aunque no lo aparente. Lo soy. Créanme. Al darle la mano no sabía que decirle, hablarle o comentarle. Era el director de un periódico de ámbito comarcal que realizaba un trabajo interesante. Hasta ahí conocía. Sabía algo de su vida. Poco. Lo justo. Así que me callé. Eso sí, con mi sonrisa de tímido empedernido. Menos mal que empezó a hablar. Me felicitó. Un premio no se recibe todos los días. Un primero además. Y de escribir. Un cuento para más señas. Le hablé que durante la lectura del acta me sorprendió el nivel del jurado. No le dio importancia. No dudaba de la calidad del texto. Me preguntó su título. “Una noche de tormenta” le dije. Ah!, después lo buscaré, me comentó. No le iba a ser difícil. En aquel hall había un mostrador donde, amarrados con un hilo, para evitar tentaciones, estaban los cuentos premiados. Nos miramos y lo soltó. Lo dijo de golpe. Me quede un momento perplejo. Por la propuesta. Por el riesgo. Y claro, el momento dulce que vivía, se acababa de endulzar más.
Estaba inmerso en una escritura que me mantenía absorto. Me había negado a colaborar en diversos sitios. El gusanillo picaba, sí, pero conseguía mitigarlo. O más bien lo tenía amordazado convenientemente. Aquella propuesta lo desató. No había forma de detenerlo. Tanto tiempo había pasado resignado que ahora no me iba a permitir la opción de negarme. Le dije que sí. El director asintió. Le indiqué que de lo único que sabía algo era de cómic, de historieta. No importa, me comentó, lo haces de historieta, cuatrocientas palabras al mes. ¿Quieres que hable de algún tema o de alguna época en concreto? Le pregunté. No, de lo que quieras, me contestó tajante. Le dije que lo llamaría Noveno Arte. Bien, repuso. Nos despedimos. Luego fue hasta la mesa, buscó y se acercó a mi relato.
La primera columna apareció en noviembre de dos mil seis, compartía página con otra que se llamaba “Un toque de maldad” de Manuel Benítez Bolorinos. Es una columna que echo de menos. Uno no encuentra fácilmente a una persona que hable de cine con criterio y buen gusto. Como no podía ser de otra forma aquel primer Noveno Arte lo dediqué a un clásico “El Príncipe Valiente”, y sí, usé esta historieta como la inicial por la alegoría que suponía su título.
Desde entonces hasta ahora. Treinta y tres entregas. Y así seguirá mientras su director lo quiera. Ya les comentaba. Es difícil. Sí, encontrarlo o que suceda. Y ahora no sé cómo agradecer lo que supone para un medio tan denostado como la historieta el tener este hueco en un periódico de ámbito comarcal. Sucede, y las páginas, las entregas de esta columna ya pertenecen como les decía a un tiempo, a una historia. Espero que la sigan leyendo y disfrutando. No todos los medios tienen esta valentía y audacia. Y aquí, es gracias a una apuesta personal y arriesgada de su director Alfonso Martínez.
Esta valentía, esta audacia es el mayor elogio que conozco. Gracias.

(Columna especial Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en febrero de 2010 con motivo de la celebración del número cien)

Se presenta la Asociación Cultural Tebeosfera

2010-05-10T22:40:00.004+02:00

[Nota de prensa]

Esta agrupación ha construido el mayor catálogo del cómic en España, con más de 10.000 colecciones catalogadas y 70.000 fichas de tebeos con contenidos exhaustivos.

La Asociación Cultural Tebeosfera, independiente y sin ánimo de lucro, tiene como objetivo el estudio y la catalogación de la historieta, incluyendo también la caricatura, el humor gráfico y otras manifestaciones expresivas y artísticas relacionadas con los cómics.

Fundada en Sevilla en 2009 por un grupo de profesionales que también son especialistas y estudiosos de los cómics, y que entienden que la historieta merece su hueco en la cultura, Tebeosfera (www.tebeosfera.com) se ha consolidado como el sitio web de referencia para la consulta de datos sobre tebeos en España a través de sus nutridos catálogos (http://www.tebeosfera.com/catalogos/). El colectivo, de un centenar de colaboradores de toda España (y de xArgentina, Francia y México), elaboran en paralelo una revista dedicada a la divulgación sobre el cómic y el humor gráfico y han publicado más de 350 artículos y ensayos en solo dos años (http://www.tebeosfera.com/documentos/textos/).

El Gran Catálogo de la Historieta de Tebeosfera, que contiene cerca de 100.000 registros accesibles mediante potentes motores de búsqueda (http://www.tebeosfera.com/obras/publicaciones/), es el mayor de España, triplicando cualquier esfuerzo previo de clasificación de los tebeos en nuestro país. Esta base de datos relacional ha sido desarrollada a lo largo de tres años como parte de un proyecto académico, siendo en la actualidad uno de los sistemas más avanzados para catalogar cualquier tipo de publicación con viñetas o historietas.

Hoy, Tebeosfera espera que otr os teóricos, profesionales del sector, coleccionistas, aficionados y otros interesados se sumen a este proyecto (asociándose) para continuar con los trabajos de recuperación del patrimonio de nuestros tebeos, una parte de la historia de la prensa y de la memoria iconográfica española que ya es más accesible gracias al esfuerzo altruista de sus colaboradores.

El director de este proyecto, Manuel Barrero, es candidato este año al Premio al Mejor Divulgador Nacional del Cómic que se entrega el viernes 7 de mayo en el Saló del Còmic de Barcelona. El domingo, participará en una mesa redonda en el festival organizada por Ficomic sobre los museos de la cultura popular y el rescate del patrimonio de los tebeos.

Identidad de la Asociación: http://www.tebeosfera.com/identidad/

Nuestro blog: http://asociacionculturaltebeosfera.blogspot.com/

Integrantes del proyecto: http://www.tebeosfera.com/creditos/

Antonio Cremades. Bibliografía. Guión Cortometraje.

2010-05-09T17:13:00.000+02:00

2007 El cuarto de los ratones. Cuaderno Siete, Revista Literaria, nº.: 4. Coslada, Madrid. Ayuntamiento de Coslada.

El arte de volar

2010-04-24T21:23:00.000+02:00

El arte de volar. Antonio Altarriba y Kim. Col. Mercat, nº 27. Edicions de Ponent. Cartoné. 208 págs. B/N.

Nunca dejaron de tener miedo. No sabían cómo hacerlo. Les mantuvo vivos. La mordida de la tierra siembra de muros de piedra el pueblo. La libertad era la huída. Y la huída albergaba el fracaso. El regreso. Después la historia se repite. Los odios acrecentados estallan en una guerra fraticida donde se lucha por una libertad que nunca se tuvo. Época convulsa de fusilamiento fácil. Y tras tanto vagar, el travestismo ideológico marca la supervivencia. Todos olvidan. Nadie recuerda. A quien lo hace se le recrimina. Pasa el tiempo. Echar a volar es lo que siempre quisieron. Aunque les ataron a tierra. Un lastre de innumerables formas que ahoga, que no deja respirar. Al final se abre la ventana. Las ideas se clarifican. Resulta catártica la vuelta a la vida a un paso del alféizar. Hay historias que dejan una profunda huella. El Arte de Volar es una novela gráfica, y una de las pocas veces donde encontramos sentido a ese conjunto de dos palabras que parecen justificar un tipo de historieta y ser más una moda que una gramática. Sin dudas, ésta será la obra del año. Antonio Altarriba (Zaragoza, 1952) y Kim (Barcelona, 1942) han realizado un trabajo de tal trascendencia que se ha convertido en un clásico desde su misma aparición. El padre del guionista se suicidó a los noventa años arrojándose desde la cuarta planta de la residencia de ancianos de Lardero (La Rioja). Dejó doscientas cincuenta cuartillas de letra apretada como legado. Las escribió a petición de su hijo. Para mitigar su dolor. Un dolor inmenso debido a años de mascarada y a la pérdida de sus últimas anclas en este mundo. El editor Paco Camarasa sugirió a Altarriba que realizara una historieta con esa vida, con ese dolor. La idea cuajó. Antonio conoció por aquellas fechas a Kim. El resultado es una obra de compleja factura formal resuelta con sencillez. El dolor de los dos Altarriba, padre e hijo, distinto pero a la vez complementario, nos hace viajar por la reciente historia de nuestro país. El hijo se convierte en el padre para contar la historia “mi padre, que ahora soy yo”. Desde este instante la sintonía es total. Kim, conocido por su serie “Martínez el Facha” para la revista El Jueves, realiza un dibujo excepcional, pleno de registros gráficos, y con un apabullante dominio de la narración. La recreación de las diferentes épocas y sus ambientes, la inmensa investigación gráfica y un gusto exquisito por el detalle nos devuelve llena de vida distintos momentos de nuestra historia. La vida de Antonio Altarriba Lope es la vida de una generación que fue marcada a fuego. Que supo recomponerse, sobrevivir. Y que finalmente, echó a volar.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en marzo de 2010)

Antonio Cremades. Bibliografía. Teatro breve

2010-04-18T13:53:00.000+02:00

1999 El sueño es mío (Topicazo). Incluída en el volumen Un sueño eterno. Col. Teatro Español Contemporáneo, vol.: 9. Alicante. VII Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos.

2003 Autógrafo. Incluída en el volumen Maratón de Monólogos 2003. Col. Teatro, vol.: 6. Madrid. Asociación de Autores de Teatro.

2003 Clandestinos. Alhucema, Revista de Teatro y Literatura, nº.: 10, 2ª Época, Julio-Diciembre 2003. Los Ogíjares, Granada. Ediciones Dauro.

2003 En llamas. Incluída en el volumen IV Certamen de Teatro Mínimo Rafael Guerrero. Chiclana de la Frontera, Cádiz. Excmo. Ayuntamiento de Chiclana de la Frontera.

2003 Insolidarios. Incluída en el volumen Teatro contra la guerra. Col. Teatro, vol.: 7. Madrid. Asociación de Autores de Teatro.

2004 Selección natural. Incluída en el volumen Maratón de Monólogos 2004. Col. Teatro, vol.: 9. Madrid. Asociación de Autores de Teatro.

2004 Soberbia. Incluída en el volumen V Certamen de Teatro Mínimo Rafael Guerrero. Chiclana de la Frontera, Cádiz. Excmo. Ayuntamiento de Chiclana de la Frontera.

2004 Intercambio. Incluída en el volumen V Certamen de Teatro Mínimo Rafael Guerrero. Chiclana de la Frontera, Cádiz. Excmo. Ayuntamiento de Chiclana de la Frontera.

2006 Clandestinos. Incluída en el volumen VI Certamen de Teatro Mínimo Rafael Guerrero. Chiclana de la Frontera, Cádiz. Excmo. Ayuntamiento de Chiclana de la Frontera.

2008 Turistas. Incluída en el volumen El arte en las migraciones. Traspasando fronteras. Almería. Laboratorio de Antropología Social y Cultural. Editorial Universidad de Almería.

Los 12 trabajos de Hércules

2010-04-10T19:38:00.002+02:00

Está a punto de aparecer la nueva edición de Los 12 trabajos de Hércules de Miguel Calatayud a cargo de Edicions de Ponent.
El libro cuenta con un prólogo colectivo realizado por Luís Gasca, Pedro Porcel, Antonio Altarriba, Felipe Hernández Cava, Francisco Naranjo, Micharmut, Álvaro Pons y yo mismo.
Serán 84 páginas a color. La portada, como pueden comprobar, es de una belleza deslumbrante. Me ha dejado sin palabras.

Antonio Cremades. Bibliografía. Teatro II

2010-04-03T18:14:00.002+02:00

2007 Huellas en la piel (Coescrita con Yanina L. Marini). Col. Literatura. Ciudad Real. Ñaque Editora.

2008 Lo que dura un bolero. IV Premio de Textos Teatrales Fatex 2007. Badajoz. Consejería de Cultura y Turismo, Junta de Extremadura, Diputación de Badajoz.

2008 Cuenta Atrás (Coescrita con Pedro Montalbán Kroebel). La Ratonera, Revista Asturiana de Teatro, nº.: 24. El Entrego, Asturias. ORIS Teatro.

2008 Instantaneas. Col. Teatro-Teatre. Alicante. Instituto de Alicantino de Cultura "Juan Gil-Albert".

2008 Jacuzzi (Coescrita con Pascual Carbonell, Javier López y Javier Monzó). Incluída en el volumen En torno al azar. Col. Laboratorio Teatral, vol.: 3. Alicante. XVI Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos.

2009 El mar de la tranquilidad. Col. Textos Teatrales, vol.: 45. Bilbao, Vizcaya. Artezblai Editorial.

Antonio Cremades. Bibliografía. Teatro I

2010-03-25T17:19:00.000+01:00

1999 Topos. Primer Acto, Cuadernos de Investigación Teatral, nº.: 279, III/1999, 2ª Época. Madrid. Primer Acto.

1999 Topos. Teatro, Col. Premio "Buero Vallejo" vol.: 11. Guadalajara. Patronato de Cultura, Excmo. Ayuntamiento de Guadalajara.

2000 Cada persona es un mundo. Col. Libretos de mano. Ciudad Real. Ñaque Editora.

2000 La excepción y la regla ó El jugador. Col. Certamen Literario de Textos Teatrales. Úbeda, Jaén. Ediciones El Olivo.

2003 Cada vez peor. V Certamen de Teatro "Ciudad de Bailén". Bailén, Jaén. Concejalía de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Bailén.

2004 Después de la señal. Col. Biblioteca Ciudad de Castellón, vol.: 50. Castellón de la Plana. Excmo. Ayuntamiento de Castellón de la Plana.

2005 Estrecho. VIII Premio Internacional de Teatro de Autor "Domingo Pérez Minik". La Laguna, Santa Cruz de Tenerife. Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Relaciones Institucionales de la Universidad de La Laguna.

Almanaque Alimenticio

2010-03-19T21:28:00.004+01:00

He realizado una historieta de seis páginas con dibujo de Pablo Auladell para el Almanaque Alimenticio que dirige Micharmut y editará proximamente Edicions de Ponent. Les dejo un avance.

Antonio Cremades. Apunte biográfico.

2010-03-14T20:38:00.011+01:00

Antonio Cremades (Aspe, Alicante 1960) es un dramaturgo de factura atípica. Sus obras hablan a través de unos personajes perfectamente elaborados, unos diálogos aparentemente sencillos y un ritmo creado a base de pausas y de silencios. Sus obras son un estudio del alma del ser humano. La incomunicación, la espera y la imposibilidad de la huida, son algunos de sus temas recurrentes.

Licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Alicante, ha participado como alumno en diversos talleres de Dramaturgia impartidos por Sergi Belbel, Ignacio del Moral, Paloma Pedrero, Juan Mayorga, Itziar Pascual, José Ramón Fernández, Chema Cardeña, Alfonso Zurro, Antonio Oneti y Paco Zarzoso.

Entre los premios con los que ha sido distinguido destacan el Antonio Buero Vallejo y el Calderón de la Barca por la obra Topos en 1998; el Lazarillo T.C.E. por Cada persona es un mundo en 1999; el Rafael Guerrero por En llamas, Intercambio, Soberbia y Clandestinos en los años 2001, 2002 y 2003; el Ciudad de Bailén por Cada vez peor en 2002; el Eduard Escalante por Huellas en la piel en coautoria con Yanina L. Marini en 2005; el Domingo Pérez Minik por Estrecho en 2005; el 2º premio Raúl Moreno (FATEX) por Lo que dura un bolero en 2007; el AMIBA por Compte enrera en coautoria con Pedro Montalbán en 2007; el Traspasando fronteras por Turistas en 2008; el Alejandro Casona por Perspectivas para un cuadro en coautoria con Pedro Montalbán en 2008; el Juan de Timoneda por El mar de la tranquilidad en 2008 y además ha sido finalista del Born por La mina de sal en 2009.

Ha estrenado las siguientes obras:

El jugador. Fue estrenada en el año 2000 por la Compañía “Yorick Teatro” en el Teatro Wagner de Aspe (Alicante), bajo la dirección de Juan Luís Mira.

Cada persona es un mundo. Fue estrenada en 2001 por la Compañía “Lazarillo T.C.E.”, en el Teatro Principal de Manzanares (Ciudad Real), bajo la dirección de Cecilio Amores.

En llamas. Fue estrenada en 2003 por la Asociación Cultural “TAETRO” en el Teatro Moderno de Chiclana de la Frontera. (Cádiz), dirigido por Eufrasio Jiménez.

Intercambio y Soberbia. Fueron estrenadas en 2003 por la Asociación Cultural “TAETRO” en el Teatro Moderno de Chiclana de la Frontera. (Cádiz)

Después de la señal. Fue estrenada en 2003 por la Compañía “Yorick Teatro” en el Teatro Wagner de Aspe (Alicante), codirigido por Javier Monzó y Antonio Cremades.

Clandestinos. Fue estrenada en 2004 por la Asociación Cultural “TAETRO” en el Teatro Moderno de Chiclana de la Frontera. (Cádiz)

Cada vez peor. Fue estrenada en 2005 por el TAEM en el Teatro-Auditorio “Emilio Martínez Sáez” de Pinoso, dirigido pro Javier Monzó.

Huellas en la piel. Fue estrenada en 2007 por la Compañía “Tacto, pulso y caos...”, en el Centro Can Rull dentro de la Muestra de Teatro y Danza de Sabadell, bajo la dirección de Yanina L. Marini.

Sus obras han tenido las siguientes lecturas dramatizadas:

Topos. Leída en 1999 a cargo de Palo Mayor Teatro, dirigida por Andrés Vinaches en la Sala Arniches de Alicante dentro del ciclo “4 autores alicantinos contemporáneos”. Se hizo una segunda lectura en la Sala SGAE de Valencia, dirigida por Francisco Alberola.

Autógrafo. Leída en 2003 a cargo de Pepe Lifante, dentro del “II Maratón de monólogos” celebrado por la Asociación de Autores de Teatro en el Circulo de Bellas Artes de Madrid.

Insolidarios. Leída en 2003 dentro del acto “Teatro contra la guerra” celebrado por la Asociación de Autores de Teatro en el Ateneo de Madrid.

Selección natural. Leída en 2004 a cargo de Víctor Clavijo, dentro del “IV Maratón de monólogos” celebrado por la Asociación de Autores de Teatro en el Circulo de Bellas Artes de Madrid.

Correspondencia. Leída en 2004, fue dirigida por Maxi Rodríguez en el “V Salón del Libro Teatral” celebrado en el Circulo de Bellas Artes de Madrid.

Instantáneas. Fue seleccionada por la Red de Teatros Alternativos para los II Encuentros en Magalia (Navas del Marqués. Ávila.) donde se realizó una lectura dramatizada el 18 de julio de 2007 dirigida por Ricard Gázquez e interpretada por Paula Miralles y Juanjo Otero.

Donantes. Leída en 2009, fue dirigida por Lola López dentro del ciclo “La crisis de los 40” celebrada en la Sala SGAE de Valencia e interpretada por Juan Mandli, Pep Ricart, Pilar Almería, Jerónimo Cornelles, Ana Cediel y Lola López.

En unos días comenzaré a publicar la bibliografía de Antonio Cremades.

Espero que sea de vuestro interés.

Naoki Urasawa II

2010-03-08T21:01:00.000+01:00

20th Century Boys

Planeta DeAgostini lleva publicados hasta el momento seis de los dieciocho tomos aparecidos de este trabajo. A diferencia de la edición de Monster se han decantado por la publicación de la obra en el formato original de tomo japonés y con sentido de lectura oriental.
A finales de la década de los 60 unos niños inventan un juego. Elaboran sus reglas e imaginan una gran amenaza que pondrá en peligro a la humanidad. Determinan que la fecha crucial para este devastador ataque sea la última noche del siglo XX: Nochevieja del año 2000. Los adultos olvidan su infancia, no la recuerdan, ni la sienten. Es 1997, los niños han crecido y han olvidado aquel juego que inventaron. Kenji regenta una franquicia. Al desaparecer su hermana está cuidando de su sobrina Kanna. Un símbolo llega a sus manos. Le inquietará de forma subjetiva. Al morir un amigo de su infancia volverá a encontrarse con el mismo dibujo. Será el detonante que le hará investigar. Una secta cuyo misterioso líder al cual llaman “amigo” ostenta como emblema este dibujo.
Comienza una sucesión de idas y venidas en el tiempo; el presente se hará pasado y éste volverá en un bucle a entrelazarse. Los recuerdos emergerán y la trama ira aumentando conforme avanzamos en sus revelaciones. Recordaran aquel juego que inventaron. Se darán cuenta que el juego ha tomado una dramática realidad. Se buscarán y se unirán. Una extraña epidemia se propagará por aquellos lugares que seleccionaron en su niñez. “La fantasía se ha hecho realidad y este es el resultado”. Es la frase que dice uno de los personajes y que resume a la perfección el sentido de este trabajo.

Naoki Urasawa mantiene la tensión en estos primeros capítulos. Dosifica las revelaciones elegantemente. Nos caracteriza, como ya parece ser marca de fábrica, a una gran cantidad de secundarios de manera prodigiosa. Y cuando le place da uno de sus giros de timón que nos desconcierta y hace que la historia que creíamos conocer se nos abra a posibilidades que no esperábamos. En el tomo cinco dará el primer giro importante en la acción, giro, que nos llevará a un terreno nuevo. Un personaje secundario hasta el momento tomará el relevo en la narración. En el transcurso del tomo diez, Urasawa, dará otro importante e imprevisible giro a la obra.
Kenji es un personaje muy parecido al doctor Tenma. Los dos se han visto obligados a huir por razones impredecibles que les ha hecho variar el sentido de su existencia. Ambos se encuentran con un enemigo, en cierta forma, invisible e inalcanzable. En esta comparación lo que diferencia a los dos personajes es la forma de enfrentarse al pasado. Tenma busca entre documentos y periódicos reconstruyendo la figura de Johan. Kenji busca en objetos del pasado la chispa que le haga recordar todos los detalles de su infancia. El pasado es uno de los temas recurrentes de la obra de este autor, así como las relaciones entre padres e hijos. Kenji tiene muchas dificultades para relacionarse con su madre. Un personaje clave en la narración de su anterior trabajo, Roberto, cuya adoración por Johan le hace llegar hasta límites insospechados está representado en esta obra en el “relaciones públicas” de la secta amigo Inshû Manjôme. No acaban aquí los paralelismos y similitudes entre los dos trabajos.
20th Century Boys ha conseguido lo que parecía en un primer momento un handicap infranqueable. Ha superado la efigie de Monster y se ha transformado en la serie más laureada y esperada del autor.

(Artículo inédito que iba a ser publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº33 en el verano de 2005)

Naoki Urasawa I

2010-03-01T22:49:00.000+01:00

¡Mira que grande se ha vuelto el monstruo en mi interior!

Hemos leído cientos de páginas de Urasawa desde que en el año 2001 dentro de su colección Pachinco, Planeta DeAgostini comenzará la publicación de Monster. Treinta y seis tomos que reúnen los dieciocho volúmenes que componen la serie, cerca de tres mil seiscientas páginas, publicadas en tres años. Monster es una obra con una fuerza inusitada te obliga a pasar una página tras otra, no te suelta, no te deja respirar, sigues leyendo y leyendo…, ahora nos llega su siguiente obra 20th Century Boys.

Del inicio a la consagración

Naoki Urasawa nace en Tokio en 1960. Compagina sus estudios de instituto con sus dos aficiones la música y el dibujo de manga. Diplomado en Economía consigue en el año 1982 el premio al mejor autor novel de la editorial Shôgakukan con el trabajo Return. Un año más tarde debuta como dibujante de manga en esta editorial con la historia corta Beta!. Urasawa considera que su objetivo primordial es llegar con sus mangas a todo el mundo “A mí lo que me gustaría es que hubiera un manga mío en cada casa japonesa”. Sus trabajos primerizos para la editorial que le había abierto las puertas fueron recopilados en dos volúmenes Dancing Policeman (1987) y N.A.S.A. (1988). Su primera obra de gran envergadura fue Pineaple Army (8 Vols. 1985-88) bajo guiones de Kazuya Kudô. En España conseguimos disfrutar en el año 1994 de un volumen de este trabajo, además de contar con la historia Hot-Shot con guiones de Shibusawa durante una serie limitada de cinco números con formato comic book.
Cuando finaliza Pineaple Army en 1988 se produce un hecho característico en la obra del autor. A partir de este momento realiza de forma paralela dos series. Esta situación no merma la calidad de sus producciones sino todo lo contrario continúa en aumento conforme se incrementa el ritmo de producción. Ritmo que ya no ha abandonado.
Con la publicación de Yawara! (29 Vols. 1987-1993) se produce el primer gran éxito comercial de Urasawa. Es la historia de una chica, Yawara “Ginger” Inokuma, sobre un fondo de comedia romántica. Transcurre la acción en los campeonatos del mundo de judo. Yawara desea tener una vida normal, enamorarse, salir con chicos de su edad, pero su abuelo la obliga a llevar una vida dedicada a las competiciones de judo. Su versión animada fue emitida en canales autonómicos en España con el titulo de Cinturón Negro. Yawara! consiguió hacerse un hueco entre los telespectadores de todos los países donde fue emitida la serie. Master Keaton (18 Vols. 1988-94) guionizada por Hokusei Katsushika narra la historia de Taichi Keaton un ex instructor de los servicios secretos británicos. Al finalizar Yawara! Naoki continuó con una nueva serie de tono deportivo Happy! (23 Vols. 1994-99) donde una chica joven es obligada por las deudas que tiene su hermano a entrar en el competitivo mundo del tenis. El tono de la serie es mucho más oscuro que Yawara!, el autor abandona la comedia romántica para profundizar en un tono donde las referencias sexuales se hacen explicitas.
Acaba Master Keaton en 1994 y es el momento en que comienza a publicarse Monster (18 Vols. 1994-2002) en la revista quincenal Big Comics Original de la editorial Shôgakukan un 20 de diciembre. Es la serie más conocida del autor en nuestro país. En 1999 inicia un nuevo trabajo al acabar Happy! : 20th Century Boys. Llevan publicados en Japón 18 volúmenes de esta serie todavía inacabada. La última obra que ha visto la luz se inició en septiembre de 2003 Pluto basado en una de las historias de la serie Astroboy de Osamu Tezuka.

Monster

Sin duda la obra más conocida por todos los lectores españoles publicada en treinta y seis entregas por Planeta DeAgostini dentro de la colección Pachinco entre octubre de 2001 y octubre de 2004.
El doctor Kenzo Tenma es un neurocirujano japonés que trabaja en un importante hospital de Alemania. Unos gemelos son ingresados, el niño está herido de bala en la cabeza, la niña en un estado de shock. En el momento en que el doctor Tenma va a comenzar la delicada operación del niño, el alcalde acaba de ser ingresado de urgencia debido a una trombosis cerebral. Se informa a Kenzo que debe abandonar la operación del niño en favor de la del alcalde. El doctor se niega en rotundo. Decide operar al niño y dejar al alcalde en manos de otros compañeros. Toma esta decisión obviando el estatus social de las personas que para él son todas iguales y a favor del orden de entrada en urgencias. Decisión que afectará profundamente su vida. El alcalde muere y todas las aspiraciones del doctor se ven truncadas. Un deseo junto a la cama del niño, Johan, hará tambalearse la historia. El deseo se acaba cumpliendo. Los tres jefes directos de Tenma mueren de envenenamiento en extrañas circunstancias al mismo tiempo que los gemelos desaparecen del hospital. El doctor Tenma será la persona más beneficiada por estas muertes siendo para el inspector de la BKA Lunge el principal culpable. Nueve años más tarde el niño Johan vuelve a aparecer ante el doctor inculpándose de los crímenes que se cometieron en el hospital. Un nuevo asesinato se produce. Se culpa a Tenma que no le queda más remedio que huir a la búsqueda de Johan para demostrar su inocencia.

La serie es un thriller de acción con elementos de horror que define una atmósfera malsana transcurriendo la acción entre Alemania y la Republica Checa. Ambientación un tanto desconcertante, en principio, para un autor japonés de la que sale airoso tanto en caracterización de personajes como en localización de unos exteriores precisos. “Alemania es un país entre este y oeste, a ojos de los japoneses tiene una imagen como gótica, y ese es precisamente el ambiente que quería para el manga, un ambiente europeo…Por esta razón elegí Alemania”
En la obra desfilaran un número importante de personajes secundarios todos perfectamente caracterizados y piezas del rompecabezas que nos propone Naoki Urasawa. La trama avanza de sorpresa en sorpresa y la acción se mueve de un personaje. Todas las piezas encajan perfectamente. Paralela a la trama principal nos encontramos con pequeñas historias perfectas que nos hacen respirar entre la tensión de la trama principal y son de forma independiente pequeñas joyas de narración como en el capítulo 16 titulado El mercenario y la niña o en el capítulo 32 Cinco cucharadas de azúcar donde la acción transcurre entre flashbacks del pasado mientras nos narra el proceso de aprendizaje del doctor Tenma y de Nina Fortner. Aprendizaje que transforma a los personajes en perfectos mercenarios.
Todos los personajes de un modo u otro están solos o lo van a estar. El doctor Tenma en su huida; su antigua novia Eva Heineman rechazada; el inspector Lunge será abandonado por su mujer e hija; Dieter el niño que rescata el doctor es un huérfano; Grimmer un periodista freelance esconde un oscuro pasado que le aísla socialmente; Richard Braunn, detective privado, en proceso de desintoxicación abandonado por su mujer e hija; Hans Schuwaltz, el hombre más poderoso de Baviera, busca entre estudiantes que le leen libros el reflejo de aquel hijo que perdió y no conoció; Margot Lange prostituta de lujo abandona a su hijo. La soledad, la incomunicación la vemos reflejada en las páginas de la serie. De la mano del doctor Guillen y de sus entrevistas con varios psicópatas tendremos un retrato de esta falta de comunicación.

Una de las tramas secundarias de la serie radica en las dificultades en las relaciones entre padres e hijos. Todos los personajes tendrán dificultades para relacionarse con sus padres o con sus hijos. Verdadero motor de la trama que podremos observar desde todos los puntos de vista posibles así como desde las distintas edades de los personajes. Mijail Ivanovich Pedrov ex director del orfanato Kinderheim 511 verdadero padre de los aterradores experimentos con los niños aparecerá en la serie de mayor y cuando su visión de la educación ha cambiado radicalmente. Kall Neuman abandonado por su madre conoce la identidad de su padre pero se verá inmerso en las dudas que genera su ingenua personalidad.
El doctor Tenma es el arquetipo de héroe mítico: joven, humilde, sencillo se ve inmerso en un suceso o catalizador de la trama que pese a su reticencia inicial retornará para obligarle a tomar un camino para él impensable. Comenzará una preparación para los nuevos retos y obstáculos que tendrá que afrontar. Cambia de un mundo ordinario a otro extraordinario produciéndose una catarsis en su carácter. Comenzarán las pruebas y obstáculos que hacen avanzar la historia. Al final del capítulo 102 el doctor tocará fondo siendo encarcelado, situación que le lleva a un renacimiento, al querer salvar la vida de la que fue su novia: Eva Heineman. Será el momento de la prueba final y definitiva para Tenma la que le llevará a su transformación última y a quedar imperecedero en el recuerdo de los lectores de sus aventuras.

(Continuará...)

(Artículo inédito que iba a ser publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº33 en el verano de 2005)

Sushi Online 10-12

2010-02-13T21:29:00.004+01:00

Nada, comentarles que he realizado una colaboración para el último número de la revista Sushi Online. Se trata de un cuento. Se titula "Hacerse silencio" y ha sido ilustrado magníficamente por FH Navarro. Sin dudas, un autor en alza que con este trabajo cierra una etapa de su evolución artística, y al que, desde luego, seguiré de cerca.

El número está compuesto por las historietas de Álvaro Ortiz, Calo, Miguel B. Núñez y Nacho Casanova; las ilustraciones de Enrique Corominas, FHNavarro y Stygryt; y los relatos de Anna Raven, Raule y servidor.

Pueden descargarse la revista pinchando aquí.

Espero que les guste. Ya me dirán.

Nouvelle Manga

2010-02-10T21:28:00.006+01:00

Una iniciativa de autor

Cuando en el año noventa y uno en el festival internacional de la bd de Angoulème Frédéric Boilet tomó contacto con el manga japonés y con un desconocido Jiro Taniguchi poco había de imaginar lo que realmente significaba el fenómeno manga y la amplitud de sus propuestas en su país de origen . Tras diez años de evolución personal, y de fijar definitivamente su residencia en Japón, Boilet acuña un termino por iniciativa propia y desmarcándose de la figura de la editorial como apoyo. Es la consecuencia directa del aprendizaje del nuevo mercado que se abrió ante él. El término todos lo conocemos Nouvelle Manga.

Diferencias y coincidencias

Según Boilet la historieta en su ámbito comercial está dirigida fundamentalmente a un público masculino y adolescente. Podemos encontrarla definida en los términos “Cómic” para el mercado americano, “Bd” para el francés y “Manga” para el japonés. Centrándonos en los dos primeros países, durante la segunda mitad de los años ochenta y durante los noventa se han dado una serie de circunstancias que han hecho que la historieta haya buscado nuevos horizontes y un público más allá del adolescente, siempre fuera del ámbito de la industria y de los circuitos comerciales. Estos mercados comerciales han acuñado unos formatos férreos de edición que involucran clichés, tópicos y defectos. El autor más independiente ha intentado huir de estas jaulas, y a la hora de contar historias más profundas o de una mayor extensión ha tenido que buscar otros formatos. Quizás en Francia la diferencia sea mayor. Del formato álbum de 48 a 56 páginas a color se ha pasado a un formato más reducido en tamaño, con más páginas y en blanco y negro. De esta forma se ha dado una coincidencia de formatos en países distintos, y a la vez, una cierta coincidencia temática. La búsqueda de historietas que cuentan historias de la vida cotidiana. Podemos señalar recientemente del mercado americano Blankets de Craig Thompson, o del francés, Píldoras Azules de Peeters o los inéditos Journal de Fabrice Neaud o Le photographe de Guibert, Lefevre y Lemercier. Boilet acentúa esta coincidencia temática de contenido y continente (1).

Se acuña el término

Durante una comida una tarde a finales de noviembre del año 2000, Boilet que pretendía encontrar una sala donde exponer sus originales se topó con una propuesta por parte de sus comensales del Art-link que superaba todas sus expectativas. Estaban interesados en realizar todo un acontecimiento con respecto al estilo que habían leído en prensa él representaba: Nouvelle manga (2). Desde ese día Frédéric y Naito Yamada tuvieron un cheque en blanco para organizar lo que creyeran oportuno. Unos meses después Naito abandonaba el barco. Frédéric y Art-link fueron finalmente los responsables de su organización y todo lo que acarreaba el poder producirlo. Del 29 de septiembre hasta el 14 de octubre de 2001 en Tokio dentro del festival Art-link 2001 se celebró el evento Nouvelle Manga que estuvo compuesto de cuatro exposiciones y de una performance. Se invitaron como representantes franceses a Fabrice Neaud, David B. y Loïc Néhou los dos últimos además como representantes de los sellos editoriales independientes l’Association y Ego comme X. Se realizó una primera exposición en la prestigiosa sala de exposiciones Masaki Kinenkan en el Museo de Bellas Artes de Tokio. Concebida por el arquitecto Tomomichi Natsume los originales no se expusieron sobre paredes sino agrupados sobre vitrinas en horizontal aprovechando el ambiente de casa japonesa que lo albergaba. La casa nouvelle manga agrupó la performance y la exposición de los coloristas Walter y Yuka. La performance proponía la puesta en escena de un estudio de un autor de Bd. Los visitantes eran recibidos por un autor y podían compartir sofá, y establecer un contacto con la realidad cotidiana de un autor de historietas. Junto a Boilet estuvieron presentes en la performance todos los autores invitados. La tercera exposición era la instalación dedicada a Fabrice Neaud autor de la obra Journal. Alrededor de dos planchas originales la arquitecta de interiores Satoko Kojima realizó una instalación con los elementos que sirvieron al autor de inspiración para realizar esas páginas. La cuarta y última exposición se realizó en las calles y barrios adyacentes donde se expusieron reproducciones de las páginas de los álbumes a los que hacia referencia el evento. Supuso por primera vez la aparición del sello Nouvelle Manga en un álbum de historieta. La espinaca de Yukiko fue publicado simultáneamente por ediciones Otha Shuppan en Japón y ediciones Ego comme X en Francia en aquel septiembre de 2001.

Nouvelle Manga en España

Nouvelle Manga es “un sello que comparten desde ahora seis editores, Casterman, Ego comme X, La Boîte a Bulles en Francia, Ohta Shuppan en Japón, Ponent Mon en España, Fanfare en el Reino Unido y los Estados Unidos, para presentar a los lectores del mundo, dejando de lado orígenes geográficos y asuntos de género, las creaciones o las traducciones en varias lenguas de lo mejor de la historieta internacional” (3). Mientras que en Francia tanto las series de creación como de traducciones se reparten en varios sellos, Casterman edita el material de Jiro Taniguchi, la colección Sakka de Casterman publica Kinderbook y Blue, La Boîte a Bulles La casa de enfrente o Ego comme X La espinaca de Yukiko; en España todos los álbumes del sello Nouvelle Manga así como las traducciones han visto la luz dentro de la editorial Ponent Mon. Comenzó con la publicación de La espinaca de Yukiko y Kinderbook en el año 2003. Mariko Parade, Blue y La casa de enfrente se publicaron a lo largo del año 2004. Estos cinco álbumes son los que representan lo editado bajo esta etiqueta y la totalidad de las obras que forman parte de la Nouvelle Manga (4) publicado en nuestro país.

Nouvelle Manga. Traducción

Hay una diferencia básica: los álbumes que consideramos como Nouvelle Manga son de creación pero hay otros que ostentan la etiqueta y son sólo traducciones. Boilet ha realizado traducción y adaptación gráfica para los mercados occidentales de las obras Barrio lejano y El olmo del caúcaso de Jiro Taniguchi publicados aquí por Ponent Mon, de El hombre sin talento de Yoshiharu Tsuge, inédito pero de próxima aparición y la traducción para el mercado japonés de un álbum de El pequeño vampiro de Joan Sfarr.

Los Autores. A grandes rasgos

Frédérick Boilet desde su manifiesto nos indica que Nouvelle Manga es una expresión de la complicidad entre la bd y manga de autor siendo siempre una iniciativa de autor lejos de la estrategia comercial de las editoriales o de las librerías de importación, que englobaría obras sobre temática de la vida cotidiana, bien autobiografías, bien documentales o bien de ficción.

Kan Takahama (Amakusa, Japón, 1977) conoció a Boilet después del evento de la Nouvelle Manga un abril del año 2002, este encuentro les sirvió para unificar expectativas. Supuso la adhesión al movimiento de la joven mangaka. Como fruto daría lugar al libro Mariko Parade que aparecería un año después en 2003. Ha publicado además Yellowbacks en el año 2002(Kinderbook), y su primera historia para Francia Besos desde Angoulème apareció en la revista Bang! nº2 en el 2003. En abril del año 2004 apareció en Japón su último libro Awabi.

Kiriko Nananan es quizás la autora más misteriosa. Comenzó a publicar historias cortas en 1993 dentro de la mítica revista Garo. En 1996 se iniciaría con historias más largas siendo Blue su primer álbum. Dentro de la colección Sakka en Francia durante el mes de junio se publicará un nuevo álbum que contendrá algunas de sus historietas cortas y se llamará Water.

Vanyda nacida hace 24 años en Castelnaudary, estableció un estudio en Lille junto a sus compañeros David Boldwin y François Duprat. Comenzó publicándose material en fanzines y realizó una primera versión de La casa de enfrente de 80 páginas fotocopiadas en el verano de 2002 que llegó a manos de Boilet. Más tarde en enero de 2003 se conocieron y se decidió a reeditar en La Boîte a Bulles una nueva versión del libro junto a un prefacio escrito por Boilet. En agosto de 2003 en la editorial Editions Carabas publicó su primer álbum a color L’année du dragon, serie de tres libros de los cuales han visto la luz dos y bajo guiones de su compañero François Duprat.

Esto es a grandes rasgos lo que representa la etiqueta Nouvelle Manga.

Notas

1. http://www.boilet.net/es/nouvellemanga_manifeste_1.html

2. En enero del año 2000, el periodista Chie Sumiyoshi en el magazine de moda Ginza publicó un artículo referente a la obra de Boilet con el titulo: Nouvelle manga. La boda entre la bd y la manga.

3. Las fronteras de la nouvelle manga. Frédéric Boilet. Trama, nº40. Astiberri. 2004.

4.
La espinaca de Yukiko. Frédérick Boilet.Ponent Mon. 2003
Kinderbook. Kan Takahama. Ponent Mon. 2003
Mariko Parade. Frédérick Boilet-Kan Takahama. Ponent Mon. 2004
La casa de enfrente. Vanyda. Ponent Mon. 2004
Blue. Kiriko Nananan. Ponent Mon. 2004

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº32 en la primavera de 2005)

Pintando por Haití

2010-02-05T11:48:00.007+01:00

Pintando por Haití, es una iniciativa cuyo objetivo es la recaudación de fondos para los damnificados de Haití, gracias a la venta de obras de ilustradores.

La exposición colectiva solidaria estará abierta al publico, del 5 de febrero al 5 de marzo, y tendrá lugar en los locales :

Fatal de lo Mío
C/ San Andrés, 24 (Metro: Tribunal / Bilbao)

Emiika Style
C/ Corredera Baja de San Pablo, 53 (Metro: Gran Vía / Tribunal)

Todos los fondos recaudados irán a parar a la ONG, INTERMÓN OXFAM, al fondo de emergencia especial para Haití.

Para más información pinchen aquí.

Quisiera destacar que el amigo FH Navarro colabora activamente aportando dos ilustraciones al evento.

Empieza hoy, no falten.

George Sprott 1894 - 1975

2010-01-31T08:53:00.004+01:00

George Sprott 1894-1975. Seth. Col. Reservoir Books. Random House Mondadori. 98 Págs. Color.

Una vida en viñetas. Instantáneas. Ni las más impactantes, ni las más transcendentes. Recuerdos. Un narrador en horas bajas reconstruye con dudas la biografía de George Sprott. ¿Es posible contar una vida a partir de los recuerdos de las personas que la rodearon? La respuesta, probablemente, es no.
Seth (1962 Clinton, Ontario, Canadá) no es un autor complaciente, su producción lenta es directamente proporcional a la contundencia y calidad de sus trabajos. Sus series, antes de ser recopiladas en libro, comienzan apareciendo en su revista: PALOOKAVILLE. En su ya amplia trayectoria ha entregado al medio un conjunto de obras mayores. Desde la iniciática La vida está bien si no te rindes pasando por Ventiladores Clyde o la inédita Wimbledon Green.
George Sprott 1894-1975 fue serializado en 2007 en el New York Times Magazine. La edición definitiva, más extensa, no ha visto la luz hasta el pasado año. En este trabajo el autor vuelve a reinventarse. Cambia de registro acercándose a los postulados estilísticos de Chris Ware y su The Acme Novelty Library. En mi opinión, Seth le supera ampliamente, teniendo en cuenta que Ware no es un buen narrador.
George es un incansable explorador del Ártico. Rodaba documentales que más tarde a su regreso mostraba en sus conferencias. George no grababa la realidad tal cual era, la deformaba para generar ese Ártico idealizado que se mostraba en las novelas de aventuras. Prefería la leyenda a la realidad, y no tenía escrúpulo alguno para conseguir su objetivo. La televisión local CKCKTV le ficha y así nace uno de los programas de mayor repercusión: Hitos Boreales. George se transforma en una estrella mediática. El transcurso del programa, el paso de los años, nos narra la decadencia lenta, casi imperceptible de nuestro protagonista.
Seth nos ofrece una clase magistral. Cada plancha, cada retazo de vida ha sido trabajado hasta el mínimo detalle. La biografía de George no deja de ser una más. Aunque la impresión de realidad en nuestra retina adquiere una fuerza extraordinaria. En pocas páginas, tenemos la sensación de conocer al protagonista de siempre como un entrañable amigo. Sin duda, este trabajo será considerado una de las mejores obras publicadas en 2009. La vida de George Sprott resulta tan real que nunca estaremos seguros de que hemos leído un cómic. Ésa es la verdadera magia.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en enero de 2010)

Exposición de Peter Petrake

2010-01-22T20:35:00.006+01:00

Ayer se inauguró una exposición de Miguel Calatayud en la sala Espacio Sins Entido de Madrid. Peter Petrake, es el motivo. Como saben, una obra emblemática de principios de los setenta que ahora ha sido reeditada con mucho mimo y en todo su esplendor. No deben perdérsela. Francisco Naranjo comenta la inauguración y añade unas fotos en su blog, pinchen aquí.

Años de Injuve II

2010-01-19T13:07:00.001+01:00

De las coediciones

Se inició tras el certamén del año 1999 una serie de coediciones con editoriales que ayudaba al inicio de los primeros álbumes en solitario de los autores premiados. La coedición consistia en la presentación de un proyecto a una editorial, y si ésta accedia a su publicación entraba en contacto con el INJUVE que apoyaba la publicación del álbum. Se daba un paso hacia delante nunca intentado y que tan buenos resultados ha cosechado. En el año 2000 durante la inauguración del INJUVE y como vendría a partir de este momento a ser normalidad se presentaron los albumes que habian recibido la coedición. Cinco fueron las propuestas Gracias por su visita de Carlos Maiques, Kamchudtka de Francisco Marchante, Cambiovida del colectivo Haciendo el León (David Heras, Gerardo Sanz, Nacho Casanova y Vanesa Idiáquez), Angela y Clara de Calo, Cosecha Rosa de Jose Luis Agreda. En el año 2001 fueron Horizontes Lejanos de Santiago Valenzuela, El Camino del Titiritero de Pablo Auladell, y el álbum colectivo Plagio de Encantes coordinado por Jesús Cuadrado. En el 2002 verian la luz Raymond Camille de Laperla y Kosinsky, Freda de Kike Benlloch y Alberto Vázquez, el apoyo a los dos primeros números de la revista TOS y el álbum colectivo que adaptaba la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas coordinado por Jesús Cuadrado. En el 2003 fueron El diario sentimental de Julian Pi de Lorenzo Gómez, Los dias más largos de Fermín Solis, Prologo de una historia de Tomeu Morey, las portadas para la revista teatral Ñaque, y la obra colectiva Tapa Roja coordinada por Jesús Cuadrado. En el 2004 y hasta la fecha han sido Las manos de Sophie Walder de Gustavo Rico y Alexandre D’Avenç y Pl*xi*gls de Jali. Las editoriales implicadas en estas coediciones han sido Sins entido con seis coediciones; Edicions de Ponent con cinco; Undercomic y Astiberri con dos cada una; La Cúpula, Ediciones Balboa y 17x24 con una respectivamente. (Cabe destacar de entre las coediciones el simbólico libro Tapa Roja que une la genealogia truncada, junta en sus páginas a autores de distintas épocas y les ofrece caminar de la mano en un mismo proceso como es el de la adaptación a historieta de un póema). Estos libros han supuesto el reconocimiento y la confianza en unas firmas, insisto, desconocidas hace un par de años cuyos nombres se han consolidado entre un número cada vez más amplio de publico. Recibiendo en poco tiempo un buen numero de nominaciones a premio en distintos eventos así como algún que otro galardon.

Del futuro

La verdadera esencia del INJUVE la constituyen sus catálogos, perduraran. Más allá camina la acertada línea de la coedición. Supone un verdadero futuro. Los concursos eran una primera piedra de toque para los autores. Las coediciones obligan a realizar un libro trabajando junto a una editorial, aprendiendo tanto a presentar sus propuestas, como a la elección de diversos parametros ajenos a la historieta corta, como la confección de una portada por poner un ejemplo. El verdadero éxito lo supone la evolución de los autores desde el catálogo hasta su primera obra publicada, además de poder trabajar en sucesivos proyectos con la editorial como ha sido el caso de Santiago Valenzuela o de Fermin Solis. Los autores se han enfrentado a su jurado último, el público, que le repudiará o aceptará. Como dice Cava: “En la historieta de hoy, afortunadamente, todo cabe y todo puede convivir al unísono”. Aún no podemos calibrar la importancia del INJUVE, me atrevo a decir que decisiva, en muchos autores con obras que, en este país que no se puede vivir de la historieta, si no hubieran visto la luz por este medio con toda probabilidad no habrian pasado de ser proyectos o quizás no haber existido. Desgraciadamente Jorge Díez ha tenido que dejar, una vez más, el INJUVE. El concurso desaparece, las coediciones también. Se inicia una interrogante penosa, ¿volvera a existir el Certaman de Cómic e Ilustración INJUVE? Jesús Cuadrado llamaba a esta historieta “insurgente” y nos dice “Insurgencia, hoy y aquí es, y deberá ser conciencia de vida. / Insurgencia es libertad.” El INJUVE ha hecho libre a la historieta durante estos seis años, años de INJUVE, años de narración gráfica en estado puro, años de libertad. No la perdamos. No la olvidemos.

Quisiera dedicar este artículo a todas las personas que han hecho posible la existencia del INJUVE en todos los ámbitos. Así como a las editoriales que apoyaron a unos autores desconocidos. A todos ellos gracias por el sueño. No me despierten.

Y en especial, a Meli, por su paciencia.

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº31 en el otoño de 2004)

Años de Injuve I

2010-01-14T16:32:00.000+01:00

Seis ensoñaciones en medio de una soledad

El INJUVE ha sido la respuesta a toda una generación de creadores, un empuje tan necesario que, sin su existencia, con toda probabilidad la genealogía ya truncada, no hubiera sido restablecida tras años de deterioro y olvido. Ha sido el caldo de cultivo que ha provocado una avalancha de páginas de calidad cuya motivación fue este certamen, páginas que de otro modo y sin plazo hubieran sido realizadas con menor premura y quizás nunca hubieran existido.

De cómo llego a ser

Antes de ser, fue, y así entre los años 1990 a 1992, bajo coordinación de Felipe Hernández Cava y por encargo de Jorge Díez desde el servicio de publicaciones se realizó una sección dedicada a la historieta dentro de la revista Injuve, acompañada de la muestra anual llamada Nuevas Viñetas (1). Se presentaron autores jovenes y en número de trece por año (2). En 1997 con la vuelta al Instituto de la Juventud de Jorge Díez al servicio de Programas del Injuve se establecieron una serie de concursos, entre ellos uno dedicado a la historieta. Eran años en los que una mirada distinta no tenía ubicación alguna, ¿qué salidas reales tenían autores nóveles?, existian unos pocos, muy pocos, fanzines en los que esa mirada podía encontrarse. Aquellas bases del año 1998 abría una pequeña puerta a unos autores, que casi sin haber publicado, sin tener obra en las estanterias, se encontraban con que no tenían salida alguna ni posibilidad de mostrarse. La mirada distinta (3), la no inerte, no existía de forma constante en el momento en que aparecieron las bases para la primera edición del nuevo Cértamen de Cómic INJUVE, la homogénea monotonia de las propuestas nos hacía añorar un pasado de Madriz y Cairo, de Medios Revueltos y Ojo Clínico, un pasado donde hubo cierta gloria y cierta repercusión social. ¿Qué pudo sentir el autor ante semejante propuesta? Tan distinta y de ruptura comparada con el resto de concursos y certámenes del país. La primera impresión sin lugar a dudas fue la incredulidad, releer las bases sin descanso se transformó quizás en una necesidad en un hábito que a fuerza de su relectura la transformáse en realidad. Hasta aquel momento ante el autor sólo había la nada más abrupta frente a las páginas del fanzine. La repetida vuelta a la fotocópia y a la imprenta amiga. El INJUVE representaba una via de escape, un lugar para transitar, una invitación, un pasaje. Varios premios de cuantía estimable, una exposición con una itinerancia, un catálogo sin ningún límite técnico, no importaba si las páginas ya habían sido publicadas, se premiaba el trabajo aunque no fuera inédito, la presentación de un dossier de copias nunca de originales. En la propia organización se esperaba con expectación la respuesta, el planteamiento dependía de si existía la calidad, no ya notable, sino suficiente para mantener el proyecto el mayor tiempo posible, e incluso algún miembro tenía sus dudas a este respecto. En Noviembre de 1998, los autores premiados y seleccionados viajaron hasta Madrid, y empezaron a sentirse parte de un todo, a sentir la historia que les precedió, a ser parte de ella. Las dudas se resolvieron, el primer certamen fue un éxito desde todos los puntos de vista, de la organización, de los premiados y seleccionados; y para el autor, sobre todo para él, aquello no era más que la huida de la insula.

De cómo ha sido

Seis certamenes, seis años de ilusiones, han hecho cambiar muchas cosas. José Luis Agreda, Mayte Ayala, Nacho (Ignacio Casanova), Juan Sin Miedo (Alfonso Abad y Germán Tejerina), Ladislao Kubala, Andrés G. Leiva, Antonio Lucas, Fco. José Marchante, Concceta Probanza, Luis Angel Puente Román, Juan C. San Roman, Santiago Valenzuela, Isaac Bosch y Malagarriga, Juan E. Esteban, Claudia Ferreras, Lorenzo Gómez, Ignacio González, Carlos Maiques, Rocío del Moral, Francisco Redondo, Carles Román, Gerardo Sanz, Javier Argul, Pablo Auladell, Luis Manchado, Raquel Jiménez, Gustavo Rico, Raúl Sanchez, Santiago Sequeiros, Manuel Ortega, As long as heaven (Javier Botet, Manuel David Pareja, Juan José Alonso), Laperla y Kosinski (Artur Díaz y Marcos Prior), Miguel A. Díez, Pedro F. Navarro, Alex Fito, Fidel Martínez, Tomeu Morey, Grupo Excéntrico (Jose Manuel Robledo, Marcial Toledano, Laura López), Alberto Vázquez, Miguel A. Bejerano, Esther Gili, Gabriel Hernández Walta, Jali (José Angel Labari), Alvaro Ortíz, Fermín Solis, Alejandro Viñuela, Jorge García, Daniel Gª Cuenca, Guitián, Olga Latorre, Lola Lorente, Pedro Rodríguez Rodríguez, han sido los premiados y los accesit de estos certámenes. La mayoria de estos autores hasta su presentación en el INJUVE eran auténticos desconocidos, este certamen ha dado ese apoyo que necesitaba la historieta ese empuje que vino a llenar el hueco que la empresa privada, e importadora recalcitrante, no potenciaba, en el mejor de los casos, o que directamente ignoraba. El INJUVE ha fomentado la nueva creación de manera exponencial llegando en algo más de un lustro a ser un condicionante, o una de las condiciones, que han desarrollado la efervescencia de las pequeñas editoriales donde antes sólo estaba Edicions de Ponent en el ámbito editorial y Como Vacas Mirando el Tren e Idiota y Diminuto en el ámbito del fanzine. El certamén se desarrolló en un primer momento estableciendo un catálogo de premiados, accesit y seleccionados; en su segunda edición, en el año 1999, se eliminaron de la publicación los seleccionados a favor de un mayor número de páginas para los premiados y accesit. En la tercera edición, en el año 2000, el catálogo cobraría ya su forma definitiva uniéndose a la edición los premiados y accesit del certámen de ilustración. El INJUVE otorgaba anualmente tres premios y un número de accesits que variaba entre seis y nueve. Su jurado estaba formado por nombres de reconocido prestigio (4). Garantia de supervivencia e imparcialidad para el evento.

De ConSecuencias

La itinerancia de las exposiciones del INJUVE se realizaba, además de en nuestro pais, a traves de diversas ciudades de Iberoamerica, debido a este hecho y en colaboración con la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales y la Agencia Española de Cooperación Internacional, además del apoyo de la Casa de América de Madrid, a partir del año 2000 y con cadencia bienal se inició el proyecto ConSecuencias que consistia en la edición de un catálogo y la creación de una exposición que mostrase la historieta de los paises o areas iberoamericanas. El primer catálogo fue dedicado a la historieta argentina, el segundo comisariado por Felipe Hernández Cava a la historieta brasileña. Se estrecharon lazos entre los autores del INJUVE y ConSecuencias con este motivo se desarrollaban actos conjuntos bien en España, bien en Iberoamérica.

(Continuará...)

Notas

1.”Injuve: Lugares de resistencia”, Jorge Garcia, Trama, nº23, Astiberri, 2003.

2. En 1990, Rafael Bernabeu, Ricard Castells, Juan Luis Corcuera, Mauro Entrialgo, Enrique Flores, Jesús Gras, Manolo, Manuel Nguema, Javier Olivares, Calpurnio, Romance Atónito, Alfons Tamayo y Javier Vazquez. En 1991, Angel Fernández, Fernando Iglesias y Carlos Portela, Linhart, Germán Menino, Isidro Ferrer, Jesús Sanz, Jose Antonio Troya, Miguel Serrano Almagro, Mikel Díaz de Corcuera, Patricia Albajar, Kosta, Rosana Perez, Santiago Sequeiros. En 1992, Alejandra, Alvarez Rabo, Emilio Mula, Fernando Gómez, Gabi, Joan Frau, Julian Garcia Muñoz, Maria Colino, M. Dorada, Mikel Valverde, Miquel Zueras, Pablo Milicua, Rafael Sañudo.

3. Me niego a usar el término de mirada “independiente” o “historieta independiente”; independiente ¿de qué?, ¿de la estupidez, quizás?.

4. A lo largo de los seis años, Jorge Díez, Jesús Cuadrado, Felipe Hernández Cava, Jesús Moreno, Jordi Sanchez, Laura Pérez Vernetti, Victoria Martos, Mariana Chiesa, Pere Ginard, Carlos Portela, Luis Alberto de Cuenca, Angel de la Calle, Francisco Camarasa y los autores premiados Paco Marchante, Carlos Maiques y Lorenzo Gómez.

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº31 en el otoño de 2004)

Joe Kubert

2009-12-24T11:45:00.004+01:00

Una leyenda viva en el nuevo siglo

Joe Kubert es una leyenda, y sigue entre nosotros ofreciéndonos trabajos de gran altura que no dejan de sorprendernos. Hemos podido disfrutar en pocos meses de las tres últimas obras del maestro, obras nacidas en este nuevo siglo, Tex :El Jinete Solitario, Sgto. Rock: Entre el infierno y algo peor, y Yossel, 29 de Abril de 1943; la humildad y el oficio de este hombre de setenta y ocho años sólo pueden resistir la comparación con otro maestro: Will Eisner.

Su vida. Breve aproximación

Joe Kubert nace el 18 de septiembre de 1926 en un pequeño pueblo al este de Polonia, Yzeran. Emigra junto a su familia cuando todavia no tenía ni dos meses de edad. En el barrio de Brooklyn pasó su infancia, su precoz afan por dibujar ha marcado toda su vida, el deseo de trabajar como dibujante vino inspirado por los comics nacientes de aquella época mágica de invenciones, tres fueron sus principales influencias reconocidas Alex Raymond que realizaba Flash Gordon, Milton Caniff con su Terry & The Pirates y como no podía ser de otra forma Harold Foster y su Prince Valiant. En aquellos años los superheroes no existían.
Comenzó a trabajar profesionalmente como entintador a la edad de doce años para MLJ Publications de la mano de Harry “A” Chesler, en poco tiempo ganaba más dinero que su padre que era un carnicero kosher. Se realizaban comics que costaban 10 centimos y tenian 64 páginas, para aquel niño que nada sabía encontrar trabajo no fue dificil con aquel mínimo de aptitudes porque se tenian que hacer tantas páginas que no suponia una perdida económica importante para la editorial el contratrarlo; dándole la oportunidad de conocer el oficio. Aquel año, 1938, en el més de junio, apareció Action Cómics nº1, nació Superman.
En 1942 publicó su primera historieta Volton en Cat Comics. En estos años trabajó en personajes de la Golden Age como Hawkman, Flash o Zatara, de la mano de Sheldon Mayer uno de los primeros profesionales del cómic que trabajó en All-Stars Comics con personajes de éxito y tuvo un papel importante en la aparición de Superman.

En 1952 participó en el primer cómic que se realizaba en 3-D, Mighty Mouse, de estos años datan innumerables historias cortas y un personaje de propia creación Tor. Conoce a Bob Kanigher que se encargada de la linea de guerra de DC Comics, Our Army at War, GI Combat, Star Spangled War Stories y Our Fighting Forces. A reseñar de entre todas aquellas historias la creación de dos personajes emblemáticos Sgto Rock y Enemy Ace. Sgto Rock fue un personaje tan popular que acabó teniendo serie propia en poco tiempo y ha sido publicado durante más de treinta años ininterrupidamente hasta los años 90. Enemy Ace está considerada como la mejor serie bélica tras los comics que realizaba Harvey Kurtzman a mediados de los años 50.
En el año 1956, bajo una idea de Julius Schwartz, y tras la debacle para los comics que suspuso la aparición del libro del Dr. Frederic Wertham, Seduction of the Innocent, cuando nada más se publicaban nueve comics de superheroes y casi todos ellos eran de Superman o sus epígonos, aparece Showcase nº4 con la historia Presenting the Flash!, Kubert entintaba los lapices de Carmine Infantino y con este cómic se inauguraba la Silver Age.
Entre 1965 y 1967 adapta la novela de Robin Moore, Tales of the green beret, para el Chicago Tribune. Desde el año 1967 y hasta 1976 fue director de publicaciones en DC Comics. Cuando en 1972 Western/Gold Key pierde los derechos de la serie Tarzan, y DC Comics los adquiere, Kubert consigue salir del encasillamiento militar al que estaba forzado. Una serie en la que habian trabajado autores como Hal Foster o Burne Hogarth se transformaba en un trabajo de ensueño para Kubert. En abril de 1972, en el nº 207 de Tarzan, Joe empezó a encargarse de la serie hasta que la dejó finalmente, como editor y guionista, en el nº 250 de mayo de 1976. En este año nace la Joe Kubert School of Cartooon and Graphic Art.
Kubert ha realizado las novelas gráficas Abraham Stone y Tor, en 1996 publicó la aclamada Fax From Sarajevo, basada en la pesadilla que vivió su editor Evin Rustemagic atrapado en la ciudad de Sarajevo durante la guerra de Bosnia. En 1999, Watson-Guptil publica un libro didactivo de Kubert sobre la creación de personajes para el cómic Superheroes: Joe Kubert’s Wonderful World of Comics.
Con el nuevo siglo han aparecido tres trabajos en los que Kubert parece saldar deudas con su pasado, con el western, que ha excepción del fallido Firehair, nunca había realizado un trabajo de gran extensión, con el personaje Sgto. Rock tras más de medio siglo de haber sido creado, y con su lugar de nacimiento y para con una de las grandes vergüenzas de la historia, el exterminio judio.

Tex. El Jinete Solitario

Sergio Bonelli encargó en el año 1994 está extensa narración de 224 páginas a Claudio Nizzi y Joe Kubert. Tras una amplia gestación vió la luz en el Tex Albo Speciale nº15 en julio de 20011.
Esta extensa narración está dividida en cinco partes bien definidas, una primera con el inicio del conflicto mediante la masacre de una familia de colonos que Tex iba a visitar por amistad junto con el enfrentamiento inicial de nuestro heroe con los cuatro criminales. Las cuatro partes siguientes corresponden al enfrentamiento con cada uno de los asesinos. Los villanos son personajes tópicos dentro de la historia del western. El hermano de un ganadero poderoso, el pistolero pendenciero que regresa a su localidad natal, un asesino cuya relación con el sheriff es un tanto oscura, o el indio que ha deshonrado a su tribu.
En esta obra de “genero” Kubert nos da una lección de narrativa al utilizar como nadie un gran número de planos diferentes con una habilidad innata para contarnos una historia que sin querer desmerecer la labor del guionista nos sabe a conocida.

Sgto. Rock. Entre el infierno y algo peor

Este Sgto. Rock se publicó dentro del sello Vertigo de DC Comics el pasado año 2003 consta de una historia de 143 páginas dividida en cinco capítulos y un epílogo. Escrita por Brian Azzarello, es dibujada por un Kubert con un estilo más del gusto actual menos recargado y con un color delirante que enmascara y oculta el lapiz del maestro.
Azzarello envuelve a la Compañía Easy en la batalla del bosque de Hürtgen en la frontera entre Alemania y Belgica en las postrimerias del año 1944, contándonos la clásica historia de superación y valor de unos pocos frente a la acometida de un ejercito superior como el alemán, en retirada, pero con un armamento de mayor calibre. Se añade una subtrama de asesinato entre las filas de la compañía y la necesidad de Rock, como mando, de encontrar al responsable o responsables de este acto inquino en mitad de una batalla.
La resolución de esta batalla y la trama de asesinato se nos cuenta en un capítulo con un elegante montaje en paralelo que resuelve los dos conflictos planteados. Cabe destacar el saber hacer de Kubert a la hora de planificar la página usando en todo el libro una línea de tres viñetas por página y dándonos una lección de narrativa.

Yossel, 29 de abril de 1943

De las tres es posiblemente la obra más conseguida. Fue publicada por Ibooks en octubre del año 2003. No es una historieta sino más bien un relato ilustrado ya que cada página contiene una media de tres dibujos con la ausencia del marco de viñeta, muy al estilo de Will Eisner, y un profuso texto. Se presenta este trabajo bajo el desnudo lapiz del maestro que no duda hasta en dejarnos las marcas de encuadre de inicio del dibujo.
Nos cuenta la historia de Yossel, un niño nacido en la población de Yzeran en Polonia, pero que a diferencia de nuestro autor no emigró a America.Yossel desde muy niño demuestra sus dotes para el dibujo. Poco a poco el horror del Holocausto lo va envolviendo todo primero con el viaje y estancia en el gueto judio de Varsovia y más tarde desde la historia contada por el “rebbe” sobre los campos de concetración.
Una vez más las atrocidades de todos conocidas nos son contadas, el autor consigue que no perdamos en ningún momento el interés por la historia, con la capacidad de fascinarnos una vez más ante la incredulidad de lo que se nos está contando. Esta obra consigue transmitirnos el dolor y el desasosiego que sienten los personajes que no saben bien que es lo que está realmente ocurriendo, que no creen que los nazis deseen realmente exterminarlos.
Esta obra nos demuestra que la edad no es impedimento para la claridad de ideas que desmuestra un Kubert en uno de su mejores momentos creativos.

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº30 en el verano de 2004)

Nicolas de Crécy

2009-12-16T12:35:00.002+01:00

El sueño de un día de carnaval

Hasta la publicación este año de la trilogía León la Came, Nicolas de Crécy no era más que un desconocido para el público español, del cual sólo habíamos visto un álbum primerizo de su época de estudiante, Bug Jargal. Esperamos que poco a poco esta situación se regularice y podamos ir viendo publicada en nuestro país la obra de este autor tan personal y único como inclasificable.

Un comienzo

Nicolas de Crécy nace en Lyon el 29 de septiembre de 1966. Su primer contacto con una historieta en su infancia fue siendo él muy pequeño y con apenas fuerzas para sujetar aquel enorme libro rojo Rien n’est simple del gran Sempé, “Sin comprender evidentemente el sentido de los textos inscritos sobre el dibujo, quedé fascinado por aquel amasijo de líneas cruzadas, finas y complejas, que describían un extraño mundo [...]. Si era posible viajar sin limites entre los diferentes elementos de la composición, era imposible el comprender como habían podido ser concebidas semejantes imágenes. Era un misterio que me prometí esclarecer.” 1
Estudia Artes Aplicadas en Marsella en 1984, más tarde estudia Bellas Artes en Angoulême en la especialidad de historieta. En 1987 realiza su primer trabajo, un encargo que habían propuesto a Sylvain Chomet compañero de clase por aquel entonces, adaptando el libro Bug Jargal de Victor Hugo, con un estilo aún un tanto mediocre, acaba resultando ser un libro que ambos autores han repudiado y que no suele aparecer en sus bibliografías. Trabaja un año en los Estudios Disney Francia en 1990 realizando fondos y decorados. En octubre de 1991 publica su primera historieta como profesional siendo aclamada por la critica, Foligatto.

Regreso a Eccenihilo

Una ciudad Eccenihilo cuya violencia preocupa a sus autoridades. Una idea para combatirla, organizar un carnaval para que la gente se divierta. Un cantante de opera que triunfa por todo el mundo es oriundo de Eccenihilo, Foligatto. Las autoridades le invitaran para que se convierta en rey del carnaval. Durante el segundo recital de Foligatto su voz huirá.
Una obra de compleja factura, de puesta en escena impecable, de dibujo sorprendente y extraño, con unos decorados y una ambientación barroca que nos sumerge en la suntuosidad de una ciudad que se nos antoja real en pocas viñetas, indudable precursora de la que más tarde será, en la trilogía Le bibendum celeste, New York-sur-Loira. El rojo lo impregna todo y el carnaval es la excusa perfecta para que el autor nos muestre sus capacidades.
Extraño trabajo que supuso con su aparición un avance en la experimentación gráfica del lenguaje de la historieta en Francia, además de un éxito de ventas para indudable alegría de sus editores.

Robo de narrador

El profesor Lombax, desde una posición atípica, se nos presenta al inicio de la trilogía Le bibendum celeste como el narrador de la historia de una joven foca con muletas, Diego, a su llegada a una enorme ciudad industrial y polucionada con una población de trece millones de habitantes hacinados, New York-sur-Loira.
Serafín, un demonio de pocas luces, intentará por todos los medios que la historia no avance como debe para desesperación del profesor Lombax.
A la llegada de Diego las autoridades locales le seleccionaran para un experimento intelectual que desembocará en su elección como candidato ideal a un premio que se otorga cada cien años, el premio Nobel del amor. El diablo, Satanás, una vez fracasados los esfuerzos de Serafín, hará acto de presencia para hacerse cargo de la narración e intentar que no se otorgue este nuevo premio que tantos quebraderos de cabeza le ha dado en el pasado. Serafín eliminará de escena al narrador Lombax robando la historia.
Le bibendum celeste es la primera obra con guión de De Crecy, una trilogía surrealista que parte del clásico argumento de la lucha entre el bien y el mal.
Irónica y desgarradora, se aparta de cualquier regla de la narración para contarnos una historia fresca e impredecible donde los diversos tratamientos gráficos nos van indicando los cambios de narrador. Nos presenta una ciudad roja y gris en contraste con un infierno donde predominan los rojos y los azules. La contraposición entre los “negativos fines” de los notables de la ciudad y las “buenas intenciones” de Satanás es uno de los puntos fuertes de la obra. Verdadero homenaje a los expresionistas alemanes. Una obra imprescindible.

La condición humana

León, el abuelo Houx-Wardiougue, tras treinta años sin tenerse noticias suyas regresa con su familia siendo un revulsivo para todos sus miembros en especial para Géraldo-Georges., Gégé, al cual abrirá los ojos a la vida, haciéndole olvidar sus problemas digestivos. La peripecia vital de Gégé será el principal hilo conductor de esta saga familiar en la mejor tradición de la literatura francesa. Nuestro personaje siempre necesitará de un guía, siendo en este primer álbum su abuelo, en el segundo el libro de Brian Molduren, o en el tercero el enigmático personaje Monsieur Chose.
La trilogía León la came es la segunda colaboración con Sylvain Chomet. Comenzó a publicarse en 1993 en la revista A Suivre. El dibujo más pausado se pone al servicio de la narración y donde antes había diversidad gráfica ahora se impone el autor una austeridad que no le resta ni un ápice de calidad a la obra.

El intrépido reportero

Clarque Quinte orondo periodista que trabaja para el Daily Planete, aficionado incansable a grandes pasteles, recibirá de un benefactor alienigena una naranja que le dará poderes y le transformará en Super Monsieur Fruit.
Los dos volúmenes de Monsieur Fruit son un hallazgo de libertad, sus dibujos han sido desprovistos de cualquier andamiaje académico. Destaca la sencillez demoledora de esta obra dirigida a un público infantil que no por ello pierde su entidad.

Consciencia mitológica

Según Laetitia Bianchi en el prólogo a Prosopopus, este es un animal mitológico que devora por igual tanto grandes cantidades de leche fermentada como hombres., y a cuyo aspecto enorme no le podemos enfundar ninguna apariencia conocida.
Un asesino mata a un hombre, consigue huir y refugiarse en manos de una prostituta. De la mezcla de la sangre del hombre asesinado, del esperma y del humo de un cigarro se creará el prosopopus que en esta obra adquiere tonalidades de conciencia. El autor consigue sin palabra alguna, ya que se trata de un álbum mudo, no sólo un ejercicio de estilo, sino una vez mas una muestra de su saber hacer, de la exquisitez de sus decorados o su puesta en escena. Este libro tan peculiar nos atrapa hasta su última viñeta. Sin lugar a dudas una de las mejores obras del año pasado en Francia.

Un final

Sirva este breve repaso a las historietas realizadas por Nicolas De Crecy como un acercamiento a su obra y al contexto que ésta representa para la historieta del país vecino. Si existe la historieta expresionista quizás sea De Crecy su mayor exponente en la actualidad. Queda pendiente para otra ocasión el poder hablar del trabajo de este autor más allá de la historieta, como sus cuentos y obras ilustradas o su próximo debut como realizador de un largometraje de animación que tras dos años sigue en producción L’Orgue de barbarie.

Bibliografía del autor en Francia

Todas las obras con guión y dibujo de Nicolas de Crécy excepto en las que se indique lo contrario.

Foligatto. Textos de Alexios Tjoyas. Les humanoïdes associés. 1991 (2ª edición en 1998).

Le bibendum celeste, vol I. Les humanoïdes associés. 1994.

León la came, vol I. Sylvain Chomet. Casterman. 1995. (Nueva edición bajo sello Casterman Classiques en 2002).

Monsieur Fruit, vol I. Éd. du Seuil. 1995.

Monsieur Fruit, vol II. Éd. du Seuil. 1996.

Laid, pauvre et malade. León la came, vol II. Sylvain Chomet. Casterman. 1997.

Priez pour nous. León la came, vol III. Sylvain Chomet. Casterman. 1998.

La nuit du grand mechant loup. Textos de Rascal. Éd. Pastel, l’école des loisirs. 1998. (Cuento ilustrado).

Gosse de riche!. Textos de Joseph Périgot. Casterman. Col. Romans casterman dix & plus. 1998. (Libro ilustrado).

Le bibendum celeste, vol II. Les humanoïdes associés. 1999.

Plaisir de Myope. Éd. Cornelius. 1999. (Ilustraciones).

Le roi de la piste. Éd. PMJ. 2001. (Cuento ilustrado).

Lisbonne, voyage imaginaire. Textos de Raphaël Meltz. Casterman. 2002. (Libro ilustrado con formato álbum).

Le bibendum celeste, vol III. Les humanoïdes associés. 2002.

Monographie. Editions de L’an 2. Col. Etoiles de l’image. 2003. (Libro de ilustraciones y ensayos sobre el autor).

Prosopopus. Éd. Dupuis. Col. Aire libre. 2003.

Bibliografía del autor en España

Bug Jargal. Sylvain Chomet. Adaptación del libro homónimo de Victor Hugo. Editorial Ikusager. Col. Imágenes de la historia, núm. 16. 1989.

Léon la came, vol I. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

Léon la came, vol II. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

Léon la came, vol III. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

Léon la came, vol IV. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

Notas

Monographie. Editions de L’an 2. Col. Etoiles de l’image. 2003.

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº29 en la primavera de 2004)

Silencio

2009-12-08T19:44:00.006+01:00

Silencio. Didier Comès. Colección B/N nº 11. Norma Editorial. Rustica. 134 págs. B/N.

Silencio es bueno. No conoce el significado de la palabra odio. Aunque tampoco conoce la palabra amor. Silencio es mudo de nacimiento. Sus ojos de serpiente unido a su falta de habla es la mezcla perfecta para que todos los habitantes de su aldea le crean ido y tonto. Beausonge es su aldea. Situada en las Ardenas, es un paraje primitivo donde las leyes ancestrales tienen una realidad desconcertante, y la magia, un remanso de existencia.
Didier Comès (Sourbrodt, Bélgica, 1942) sorprendió y desconcertó a los lectores de la revista A Suivre cuando esta historia fue serializada a finales de la década de los setenta. Hasta esa fecha había publicado tres álbumes: dos entregas de su personaje Ergun el errante, El Dios Viviente y El. Maestro de las Tinieblas, y La Sombra del Cuervo. Silencio supuso para Didier no sólo un cambio evolutivo sino el encuentro de su voz verdadera que le acompañará durante toda su trayectoria. Fue una ruptura global con su manera de entender la historieta. El elemento más adjetivo de esta transformación fue el abandono del color. Sus viñetas se pueblan de un claroscuro del que ahora es un maestro indiscutible. Sus decorados adquieren una vida deslumbrante, sus ambientes se vuelven más claustrofóbicos y la acción se sitúa en un entorno rural, que será, a partir de este momento, el paisaje de sus obras: Las Ardenas. Comès huye de la vertiente comercial del cómic en un salto suicida. Aparecen páginas mudas donde sus personajes deambulan envueltos en un paisaje voluptuoso e inhóspito que acentúa su soledad; donde los animales con su presencia y su mirada adquieren el valor de símbolos. La soledad del individuo, la incapacidad para comunicarse, y la venganza, entendida como el único camino para sobrevivir, serán las constantes en su producción. Aunque externamente los personajes de Comès se transforman, internamente no sufren cambio alguno. La bondad e ingenuidad de Silencio no cambia, aunque sus vecinos le perciben de distinta forma cuando su semblante se vuelve más serio.
Abel Mauvy es el dueño de la mayor granja de Beausonge. Es el amo de Silencio. Usa y abusa de él. Abel es supersticioso, llama a su vecino “la Mosca” para que, por medio de un sortilegio, proteja la granja de todo mal clavando en la puerta de la entrada una lechuza. Este acto desencadenará una serie de acontecimientos imprevisibles. Treinta años después de su aparición Silencio sigue impactando. No se la pierdan.

(Columna Noveno Arte inédita, noviembre de 2009)

ACTUALIZACIÓN:

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en diciembre de 2009)

Las Ciudades Oscuras, 2009

2009-11-30T22:45:00.015+01:00

Ha sido un año importante para la serie de Las Ciudades Oscuras.
Se han llevado a cabo diversos cambios y modificaciones: nuevas ediciones, nuevas revisiones, y además, la aparición de un nuevo título, aunque como veremos, no es tan novedoso como en un principio puede parecer. Espero que estos breves apuntes les sirvan para conocer los cambios sucedidos en la serie. Cambios que si bien pueden parecer como ilógicos en otras series de cómic aquí cada vez que sus autores han considerado necesario retocar alguna parte de sus libros ya publicados lo han hecho pensando siempre en conseguir mejorar su trabajo.
Peeters en el apéndice de la nueva edición de La Sombra de un Hombre comentaba los cambios más importantes realizados en la serie durante su andadura “Un año después de la primera edición de Las Murallas de Samaris revisamos el final del álbum: era demasiado breve, hermético para una gran parte de nuestros lectores. Más tarde, añadimos un capítulo a La Chica Inclinada, modificamos El Archivista y ampliamos La Guía de las Ciudades”.

La Fiebre de Urbicanda (Las Ciudades Oscuras, volumen dos)

La nueva edición en rustica de este clásico indiscutible de la serie se realiza sobre un papel mate que nos devuelve una impresión más acertada de las tintas de Schuiten. Viene acompañada de un apéndice “La Légende du Réseau” que en principio ya fue publicado en la versión álbum, pero que ahora aparece con una nueva maquetación, más desahogada, que incluye un par más de ilustraciones en blanco y negro. El epílogo final recupera una historieta de tres páginas de 1997, “La dernière vision d’Eugen Robick”. Sin lugar a dudas esta edición es la más completa hasta la fecha.

El Archivista (Las Ciudades Oscuras, volumen tres)

La aparición en rustica de este tercer álbum de la serie no aporta cambio alguno a los ya realizados en la corrección y ampliación del libro en el 2000. Únicamente cabe resaltar que la edición está más contrastada, a mi parecer, sobre papel mate, dando mayor presencia e intensidad a las tintas.

La Sombra de un Hombre (Las Ciudades Oscuras, volumen once)

Es el tomo que más ha cambiado en la historia de la serie de las Ciudades Oscuras. Esta nueva edición es una versión renovada de la publicada por vez primera en 1999. La Sombra de un Hombre era un trabajo del que no estaban satisfechos sus autores. Schuiten y Peeters decidieron abordar todos los cambios necesarios para mejorar el libro. El personaje principal se transforma entonces en el narrador de la historia, se eliminan cinco páginas de la versión anterior y se añaden ocho páginas nuevas, además de realizarse un número importante de mejoras en diversas viñetas como la orientación de las sombras, la reubicación de los personajes, cambios de plano, etc.
Todo este trabajo nos devuelve un álbum que ha ganado en profundidad, en intensidad, donde la historia se cierra con un final nuevamente elaborado, más poético que engrandece el resultado sin por ello perjudicar la calidad inicial de la historia.

La Théorie du Grain de Sable (Las Ciudades Oscuras, volumen catorce)

Acaba de aparecer la versión gigante e integral de los dos álbumes que forman esta historia. Similar a la que en su momento fue la edición gigante de El Archivista. Como ocurre con La Fiebre de Urbicanda se opta por un papel mate que nos devuelve las tintas de Schuiten con una intensidad que no se apreciaba en ninguna de las dos ediciones anteriores, tanto la de las dos partes originales, como la de cofre en apaisado.
Esta edición emociona, parece estar viva. Las sensaciones que me ha producido no las puedo transmitir en este breve acercamiento. Además, viene acompañada de un apéndice donde los autores nos muestran los referentes reales que han servido de decorado para la realización de esta obra.

Souvenirs de l’Eternel Present (Las Ciudades Oscuras, volumen quince)

Como les indicaba antes, este álbum es el que podríamos considerar nuevo. Aunque no es del todo cierto. Una versión primitiva de esta historia ya vio la luz. En aquel momento no se consideró su pertenencia a la serie. Es ahora cuando definitivamente se acaba por integrar como parte de Las Ciudades Oscuras. Este hecho se debe a su peculiar origen. Les explico. Raoul Servais es un reputado cineasta de animación. En 1987 contactó con François Schuiten para la creación de los escenarios de su próxima película: Taxandria. Schuiten debía de diseñar la ciudad homónima. Teniendo en cuenta que estos dibujos no iban a ser el punto de partida para la creación de los escenarios definitivos, sino que sus imágenes tal y como fueron concebidas serían el decorado final de la película. Raoul Servais partiría de estos decorados para incrustar en la película actores de carne y hueso. Taxandria sería una película de animación con actores reales. Tras un largo periplo con constantes reescrituras del guión inicial y numerosos problemas técnicos la película llegó a realizarse en 1994. Schuiten publicó en 1993 Souvernirs de l’Eternel Present dando a conocer el trabajo que había realizado para el film. Dieciséis años después, Schuiten y Peeters nos sorprenden recreando todo aquel material, aportando nuevas imágenes y soluciones narrativas para llegar a construir un álbum de historieta que intenta ser un acercamiento a la propuesta inicial de Raoul Servais. Y que, sin lugar a dudas, se convierte en un homenaje a una idea original que por diversos motivos no fue comprendida en su momento.
Aimé es un niño de diez años con la cabeza rapada. Vive en Taxandria una ciudad inmensa repleta de columnas y palacios desiertos. Sus habitantes tienen prohibido hablar del pasado y del futuro. Están sometidos a la ley del Presente Eterno.
Aimé es el único niño en una ciudad de hombres. Cuando pregunta por su madre, a la cual recuerda lejanamente, nadie le contesta. Un día entre las ruinas de una biblioteca encuentra un libro que se titula “Taxandria. Historia del Gran Cataclismo”.

Espero que les haya gustado este pequeño repaso, ya me comentan.

Sandman. Noches Eternas

2009-11-22T23:18:00.000+01:00

Es el regreso de Neil Gaiman al personaje que se lo ha dado todo, al personaje que inundó su vida y sus sueños desde aquel huracán de finales de 1987 hasta 1996. Tras siete años desde que acabase su serie, tras cinco desde que publicase aquella última incursión con el cuento ilustrado Cazadores de sueños.

Una historia con final

Traje y capa morada, sombrero y mascara de gas, su nombre Wesley Dodds; Traje rojo y amarillo, miles de monitores rodeándoles en una burbuja perdida en el sueño, sus nombres Dr. Garret Sandford y Hector Hall. Todos diferentes, todos Sandman. Tres personajes, partes de un mismo sueño.
Verano de 1987, Neil Gaiman escribe el borrador inicial de la que será su primera obra para DC Comics, Black Orchid, concretamente el número 1, en una nota comentaba al dibujante Dave Mckean: “Incidentalmente... una idea que me gusta pero que puede parecerte demasiado banal, es que, si como ahora, hay mucha gente dentro de un sueño, incluyamos personajes de la Corriente Onírica DC. Puesto que los sueños son de todas maneras ilógicos, poner a Caín y Abel de camareros, o a Sandman, Bruto y Glob en una esquina, en un ángulo raro, mientras pasa el taxi, tendría un cierto sentido, complicado y tramposo. No destacarían, sólo estarían allí.”
Del segundo borrador desapareció, pero en la mente del guionista empezó a bullir aquella idea.
El autor había barajado con DC Comics una lista de personajes con los que estaba interesado trabajar, entre ellos curiosamente no estaba Sandman, pese a que tenía en mente hacer algo con la versión que realizó Jack Kirby en los 70, como le mencionó de pasada a Karen Berguer en septiembre de 1987 durante la Convención de Cómic inglesa celebrada en Londres. Su intención primera era la de realizar una serie de terror, no una serie de superhéroes. Un tiempo después recibió una llamada de teléfono, era Karen, querían que realizara un cómic de Sandman, la única limitación que le imponían era la conservación del nombre, el resto corría de su cuenta, tenía el camino libre.
Por aquellas fechas un huracán comenzó a asolar el Sur de Inglaterra, Neil Gaiman sólo pensaba en la historieta. Cuando regresó la electricidad escribió compulsivamente treinta folios con el argumento de lo que más tarde serían los ocho primeros números de la colección, lo envió a la editorial. El proyecto fue aceptado. Sandman, tal y como lo conocemos, había nacido.
La serie duró setenta y cinco números, un especial y dos historias cortas desde enero de 1989 hasta marzo de 1996 englobados en un total de diez arcos argumentales 1, además de un cuento ilustrado aparecido en 1998 2. Contó la historia que quería contar, y su editorial respetó su silencio, respetó su obra.
En el año 2003 se celebraba el décimo aniversario del sello Vertigo. Karen Berguer propuso a Gaiman contar una historia más de Sandman para tal efeméride.
Durante dieciocho meses el autor escribió Noches Eternas. En septiembre de 2003 apareció el libro en Estados Unidos, Sandman regresó.
Un libro que contiene el universo

Un hombre se propone la tarea de dibujar el mundo. A lo largo de los años puebla un espacio con imágenes... Poco antes de morir descubre que ese paciente laberinto de líneas traza la imagen de su cara.

Jorge Luis Borges

Noches eternas no es sólo una colección de historias sobre los Eternos. Narra olvidos y desilusiones, trozos de papel flotando en el agua, sangre derramada sobre una mesa, dones fugaces en el alba de los tiempos, el abandono de tu cuerpo sobre una calzada, canciones de lagartos y sueños de peces-pájaro, búsquedas lejanas. Sus páginas nos devuelven unos personajes ya conocidos pero sin embargo una vez que se inicia la lectura se nos antojan nuevos, es el mayor merito de estas historias. No nos hace falta el recuerdo anterior para disfrutar del libro. No importa si no conoces a Sandman, no importa si no has leído nunca nada de este personaje, y al mismo tiempo, si lo has hecho, no importa todo lo que has leído, no importa, porque los senderos siempre han estado ahí, y este es el destino de todas las historias, ser caminadas por la lectura. Noches eternas no es sólo una colección de historias sobre los Eternos.
Muerte y Venecia la primera historia es dibujada por P. Craig Russell, el único autor del presente libro que había trabajado anteriormente con Neil Gaiman, narra paralelamente la historia de un conde y su sequito viviendo un repetido día perfecto y la historia de un soldado de permiso en Venecia. Una Venecia lluviosa y nublada envuelta en sombras que contrasta con la luminosidad de la historia del conde o la luz irreal de los recuerdos del soldado.
Lo que he saboreado de Deseo está dibujada por Milo Manara, y el hecho de que aceptara esta historia es uno de los motivos fundamentales de la existencia de este libro. Es una historia de amor no correspondido cuya búsqueda por parte de la protagonista femenina del deseo del personaje masculino nos arrastra hasta una resolución determinada por el nacimiento del deseo colectivo.
El corazón de una estrella dibujada por Miguelanxo Prado es quizás la historia más redonda, es una historia que nos transporta hasta un alba de los tiempos en donde todo es nuevo, en donde todo nada más ha comenzado a existir. Una historia narrada por un “padre” a su “hija” mientras empieza a dormirse. En esta historia vemos a los Eternos en sus orígenes, y vemos el nacimiento de una enemistad entre dos de ellos. Es la única historia de todo el libro en la que aparecen los siete eternos, y la única que intenta estar enlazada con una cierta continuidad dentro de la línea superheroica de Dc Comics. Como podemos ver en el personaje Sto-Oa, reminiscencia del origen de los Green Lantern Corps, o en el diálogo premonitorio que tienen Desespero y Rao, el sol de Krypton.
Quince retratos de Desespero es dibujada por Barron Storrey y diseñada por Dave Mckean, no es una historieta sino quince relatos ilustrados breves que intentan mostrarnos matices de la propia desesperación y que a la vez nos devuelven el propio retrato del personaje. Colores térreos que nos muestran manchados en un rojo sangre lo terrenal, imágenes de las que emanan reminiscencias del mejor Francis Bacon y le dan a las historias el soporte perfecto.
Hacia adentro es dibujada por Bill Sienkiewicz la realidad y lo ficticio se entremezclan en un viaje al centro de la locura, personajes reales envueltos en desnuda tinta china deambulan por un imaginario mundo repleto de brillantes colores, lo real no tiene sustancia y los peces lo envuelven todo soñando volar como pájaros hacia un lejano fundido en blanco.
Destrucción con dibujo de Glenn Fabry es sin lugar a dudas la historia con un dibujo más previsible y menos sugerente. Es la historia de una arqueóloga que realiza un viaje hacia una excavación secreta en una península que hace un año no existía.
Noches eternas es la última historia dibujada magistralmente por un Frank Quitely que sabe conjugar los mejores recursos de la ilustración para envolver un sugerente texto del guionista dándonos siempre la sensación de leer en viñetas pese a la ausencia de marco.
El guionista cierra en esta historia el libro que adquiere unas connotaciones que unen todos los relatos confiriéndole una extraña coherencia.Siete relatos uno para cada miembro de la familia de Sueño. Gaiman no ha olvidado al niño que fue porque nunca ha dejado de serlo. Sus historias son las historias que, como niños, nos hubieran gustado que nos contaran. Nos fascinan porque tocan la fibra del niño que todos ocultamos en nuestro interior. Del niño que reprimimos y que el autor consigue hacernos aflorar. Gaiman cuida cada detalle de sus guiones, cada guiño, cada personaje es mimado, nos ofrece estructuras narrativas coherentes, cerrando espléndidamente cada una de las historias. Historias que se nos quedan prendidas.
Un libro se cierra y una pregunta queda en el aire.
¿Cuál es el destino de todas las historias?
Felices sueños.

1.- Preludios y nocturnos. La casa de muñecas. País de sueños. Estación de Nieblas. Un juego de ti. Fábulas y reflejos. Vidas breves. El fin de los mundos. Las benévolas. El velatorio.

2- The Sandman: Cazadores de Sueños.

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº28 en el invierno de 2004)

Miradas. Entrevista a Miguel Calatayud III

2009-11-12T15:50:00.016+01:00

Ilustración inédita de "Kembo. Incidente en la
pista del circo Medrano" de próxima aparición.

¿Cuál es el trabajo más atípico que has realizado?

Bueno, ilustraciones para un libro tan difícil como “El viaje en autobús de Josep Pla”. Imagínate, son consideraciones del escritor sobre lo que le rodea, sobre lo que experimenta. No hay personajes. Posiblemente escenarios sí, porque trabaja mucho con temas geográficos, con temas de cierto costumbrismo, con referencias al momento, etc. Pero, ¿Qué ilustramos? Es el punto de vista de un señor que escribe. Pues lo he llegado a hacer sin apartarme de mi registro para infantil, juvenil. Otro trabajo que me encargaron fue una serie de doce ilustraciones sobre la Guardia Real. Era un libro donde abundaba la fotografía pero querían que hubiera una serie de doce láminas, de doce momentos históricos de la evolución del cuerpo. Tuve que documentarme. No sé si cualquier persona que realiza literatura infantil podría hacer un encargo como éste sin renunciar a su voz. Tuve que resolver aquello. En ningún momento de mi vida se me habría ocurrido tocar este tema. Sí que he hecho temas históricos en donde hay batallas y hay de todo. Pero no de la Guardia Real. Uno piensa y duda. Es un libro regalo que se le va a entregar, incluso a la Familia Real, y que la propia Guardia Real va a recibir. A lo mejor, hago las narices un poco exageradas y exagero o deformo los cuerpos o las proporciones. Finalmente acabé haciéndolo y ví que se aceptó con mucho agrado. Hasta cierto punto, es una visión original porque no es la clásica estampa documental.

¿Cuándo realizas tus trabajos, te influye el pensar a qué público va dirigido?

Soy autodidacta, nunca llegué a trabajar con un maestro, hay gente que ha aprendido trabajando con otra gente. En mi caso no fue así. Apliqué las cositas que había hecho de forma ingenua y más tarde pasadas por el tamiz de Bellas Artes empecé a entender lo que es vulgar y lo que no tiene el carácter que debería tener. A esto lo llamo la honradez profesional. ¿Te pones en la mentalidad de los niños para hacer un libro para niños? No, como me voy a poner en la mentalidad de los niños. Soy una persona responsable. Entrego a los niños lo que creo que les debo entregar y lo que les entrego tiene que empezar gustándome a mí, si no me gusta, lo rehago. De hecho, a veces, he tirado un trabajo, aunque no un libro entero. He iniciado algo, he visto que no resultaba y he vuelto a empezar. Uno tiene que estar de acuerdo con lo que está entregando. Este trabajo está hecho para ser reproducido, y esto se olvida a menudo. La gracia de nuestro trabajo y el interés que tiene es su amplitud. Llega a muchísima gente. Las posibilidades de difusión son tan maravillosas que a uno le emociona. A veces hacemos trabajos de animación a la lectura. Ahí conectamos con el público que conoce el libro, con niños, con adultos, con profesores y es cuando detectas realmente las cosas que funcionan y las que no, al margen de tu propuesta, claro. Recibes un mensaje de primera mano que se agradece. Todo esto da una disposición responsable hacia nuestro trabajo. Siempre existe el peligro de los convencionalismos. Llamo convencionalismos a las cosas que no aportan nada, entiéndeme, el asunto vulgar. Por ejemplo, los ojitos que quedan muy graciosos, o las posturitas, o insistir sobre las cosas mil veces hechas. Que por muy bien que se hagan funcionan en el mercado americano y en otros mercados pero que si no me aporta nada visualmente y no veo hallazgos me deja de interesar. A mí los tebeos no me gustan como me gustaban antes, ya los leo de otra forma, si es que los leo. También se agradecería por parte del público un poquito de reflexión. Hablábamos de buenos profesionales y también deberíamos hablar de buenos lectores, de buenos espectadores que estén dispuestos a ver más allá de lo que sería la simple contemplación. Hay gente preparada que opina que la lectura va a la inteligencia y no la contemplación. Parece que abrimos los ojos y ahí se acaba el proceso. Esto está por ahí escrito en algún libro de cierta especialización. No sé si a tí y a tus lectores les consta que no está bien visto si el niño lee tebeos, o si el niño se aficiona a libros donde hay mucha imagen y poco texto. Porque el niño lo que tiene que hacer es leer, la capacidad de leer es lo que le convertirá en…, en fin. Así, la lectura del tebeo, del libro infantil-juvenil se va a quedar en nada. Vamos, esto para mí es una barbaridad.

¿Qué le recomendarías a un autor joven?

Odio las recomendaciones. La gente buena siempre ha olvidado lo que ha leído, es decir, quien ha tenido un valor y un peso histórico siempre ha terminado olvidando todo lo que le enseñaron. Esto no quiere decir que desprecie las enseñanzas. Siempre dejan un poso valioso. Un ilustrador, un autor joven lo que tiene que hacer es enfrentarse con su propia experiencia, con su propia forma de entender las cosas y llevarlas al trabajo, a la labor. Alguien puede optar por diversificar su forma de trabajar o bien no buscar un estilo definido, pero éste no es mi caso, mi estilo sí se identifica. A lo largo de los años he hecho lo que pensaba que tenía que hacer, Para mí en la ilustración y por qué no decirlo, en el cómic, me da la sensación que tienes que buscar no una técnica, sino la capacidad no sólo de hacer un cuento infantil, juvenil sino, si se presenta el caso, de hacer un cartel para unas fiestas populares, un cartel muy serio, un trabajo publicitario, etc. Estás empezando en esto, estás introduciéndote, estás creando un registro que te va a obligar siempre al relato infantil que sabemos que tiene unos ticks, unas características que, como va dirigido a los niños, permite determinadas cosas que no permite un trabajo dirigido a adultos. Creo que esta consideración es clave, es decir, me estoy metiendo en un territorio, en un camino, en una línea de trabajo que me debe permitir en un futuro no traicionarme a mí mismo, no tener que cambiar de estilo o de forma de trabajar si el trabajo es más serio, más divertido, si es humorístico, o si es dramático. Esta consideración para mí es clave, espero que pueda resultar interesante.
Desde luego. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Acabé un librito para Bromera. Es una pequeña historia para niños muy pequeños de un reloj de cuco que en vez de hacer “cu-cu” dice “ca-ca”. He trabajado en cartelería y he hecho una agenda para un colegio. Ahora estoy acabando un libro para la editorial Kalandraka. Es la historia simpática de un león, con dos partes diferenciadas, su vida en África y su vida en un circo parisino. Se titula “Kembo. Incidente en la pista del circo Medrano”, el texto es de un autor valenciano, Carlos Pérez. Esperamos que salga para Navidad.

En 2006 presentó en el Teatro Wagner de Aspe el libro “El bosque de mi abecedario” ¿Cuándo volveremos a tenerle entre nosotros?

Siempre que ha surgido algo en Aspe ha sido iniciativa del Ayuntamiento, de la Concejalía de Cultura o de la Biblioteca. Siempre quedé muy satisfecho del resultado. La última vez fue con motivo de una exposición que se presentó en el tristemente desaparecido Salón del Libro de Alicante. Trataremos de presentar el de Kalandraka. Cesar Martín, el delegado editorial, tiene interés en que la hagamos en Alicante. Abrazos y saludos a todos los amigos y amigas de la comarca.

Gracias por tu tiempo Miguel. Esperamos volver a verte pronto presentando próximos proyectos.

Miradas. Entrevista a Miguel Calatayud II

2009-10-16T15:08:00.032+02:00

Ilustración inédita de "Kembo. Incidente en la
pista del circo Medrano" de próxima aparición.

¿Qué diferencias hay entre el trabajo de un ilustrador y el de un dibujante de cómic?

No está mal reflexionar un poco sobre lo que es el trabajo de realizar ilustraciones para un libro y el trabajo en el cómic, entendiendo que la máxima relación con la ilustración se da cuando trabajamos con un guión de otra persona. En ilustración, hasta cierto punto, podemos mostrar y ocultar al mismo tiempo. Si del relato literario hay algo que no me interesa o que no me conviene ya que puedo tener tendencia a una determinada imagen, a un determinado ambiente, entonces me interesa más ilustrar eso que no otro pasaje que me puede ser más incómodo. Bien porque no va con mi forma de entender las cosas, o bien por la representación de elementos que elegiría. Es decir, cuando hacemos ilustración podemos elegir los momentos y podemos ocultar las cosas que nos interesa que no sean mostradas. Además, la ocultación tiene su interés, crea misterio, no hay por qué enseñarlo todo. En ilustración se nos considera muy ligados a la literatura, yo siempre he defendido que estamos más ligados al cine. Nuestro trabajo es visual. Incluso a veces, defiendo que en un libro ilustrado hay dos vías: la vía literaria y la vía gráfica, El libro está conseguido cuando tiene una presencia en las imágenes y ya no te lo puedes imaginar de otra forma. En este caso, normalmente suelen estar implicados tanto el ilustrador como el autor literario, hay afinidad.
En el cómic hay que mostrarlo todo. Estamos hablando de un relato absolutamente visual. De un cómic planteado de forma que existe un guión previo y que llevo ese guión a imágenes, porque cuando el guión es del propio dibujante, hay más margen ya que si algo no me interesa puedo, no ocultarlo, sino eliminarlo directamente. Aunque efectivamente, hay que mostrarlo todo porque al ser tan visual no puedo parcelarlo. Una escena la puedo resolver con primeros planos y así evito otras cuestiones, pero a lo largo del relato visual es difícil de mantener, llega un momento en que tienes que mostrar escenarios o tienes que mostrar puntos de vista que a lo mejor te crean complicaciones. Siempre pongo un ejemplo, de hecho es un trabajo que hice. Volvamos al tema de la ilustración, imaginemos una escena que a mi no me interesa para nada. Una señora está hablando con una criada y hay una presencia fantasmal que aparece entre cortinas y observa ¿Cómo lo resuelves? ¿Con una conversación? No me atraía, es una escena de cierta vulgaridad, no ofrece posibilidades de sorpresa. Recuerdo que la resolví cargando el verdadero valor de la imagen en las cortinas. Las cortinas desarrollaban una escena de trovadores, de figuras fantásticas, era como un tapiz y ahí basaba el valor de la imagen. Las cortinas se abrían, aparece la presencia y en el primer plano las dos figuras se enfrentaban la una con la otra, pero el verdadero valor del dibujo no aparecía en el texto porque estaba representado en las cortinas. La traslación de esta imagen considerada como ilustración al mundo del cómic, que es más relato, que es más secuencia, es complicada. En cómic no nos podemos detener a entretenernos porque lo que nos interesa es el desarrollo argumental, el avance de la tensión narrativa, etc.
He usado, de cuando en cuando, la imagen a toda página. En mi trabajo en cómic le he prestado un cierto interés. De la misma forma que en un film, la tensión narrativa se detiene ante un escenario, ante una imagen espectacular ¡Hasta los grandes del cine se detenían a veces! Probablemente esa imagen a toda página analizada tiene más que ver con la ilustración que con el propio relato.
¿Puede un libro ilustrado tener el carácter de cómic?

Una narración gráfica probablemente no tendría el carácter de cómic como sucesión de viñetas, pero por qué no resolver esta cuestión con imágenes a toda página. Perderíamos la secuencia, aunque también la secuencia podría estar dentro de esa gran imagen que ocupara toda la página. Bueno por ahí creo que iría ese enfoque.

¿Detendría la secuenciación?

No hay que olvidar que la secuencia puede estar dentro de esa imagen…

¿Un segundo plano donde transcurre la acción?

Efectivamente, incluso aunque sea un recurso histórico de pintura. A veces un determinado pintor en el mismo cuadro desarrollaba una secuencia. Es decir, vemos cómo unos personajes salen por la puerta de una ciudad, en otro lado del cuadro vemos que están atravesando el puente de un río, y en un plano cercano, están los dos conversando con un caminante. En la misma escena hemos desarrollado toda la secuencia. Incluso en pintura religiosa es muy frecuente la vida de un determinado santo. Lo vemos joven hablando con alguien, a la derecha lo están martirizando y, al otro lado está en el cielo. Es muy frecuente. En realidad todo es imagen al servicio de un relato. No se puede juzgar la imagen por sí sola sin desvincularla del relato. En el cómic esto tiene más importancia todavía porque la relación entre texto e imagen es lo mismo, por decirlo de alguna manera, el texto es dibujo también…

Es una simbiosis…

El texto es dibujo ¿por qué no? Mientras, en ilustración hay que diferenciar, hay libros y libros. El libro que de cuando en cuando ofrece una página de ilustración, era el libro ilustrado de siempre. Luego hay libros donde la relación entre imagen y texto está al cincuenta por ciento, es decir, hay páginas completas de texto, hay páginas completas de dibujo, hay más frecuencia de dibujo. Luego están los álbumes, el texto queda reducido al mínimo, son lo que llamamos álbumes infantiles. Aquí el gran protagonista es el relato grafico, las imágenes, que, a veces, llegan a ocupar el noventa por ciento del libro, quedando el texto reducido a una pequeña parte. El protagonismo gráfico es total, el libro se convierte en un objeto, un objeto cultural, sigue siendo libro por las características del producto. Incluso por ahí fuera ya es materia de coleccionismo. Siendo un libro infantil lo compran los adultos porque se deleitan. El valor del texto no hay que olvidarlo nunca, estamos trabajando al servicio de una invención literaria. Cuando me preguntan sobre esto pongo el ejemplo del libro sin palabras. El libro sin palabras es un relato gráfico total porque no interviene el texto, pero ¿eso excluye a un autor literario? Alguien ha desarrollado una idea, le ha dado unas características y no utiliza la palabra como recurso, pero le da todo el desarrollo argumental. El referente seria el cine mudo, no hay palabras, pero hay un guionista, hay alguien que inventa.
Igual ocurre en el cómic. Hay historietas mudas que tienen un guión, un tiempo de reloj, un tono, etc.

Evidentemente.

Cuando trabajas a partir de un tema ¿Cómo surge esa invención, esa idea, ese giro visual que hace genial a la imagen?

El tema de lo que es la invención afecta más a la ilustración que al cómic, pero hasta cierto punto. El tema está dado porque es la labor del autor literario, en el caso del cómic sería el guionista. A partir del tema surge la idea, la idea son estos recursos ingeniosos, el encontrar una solución visual que no es la forma de representarla porque la forma de representarla ya es la aportación del estilo del dibujante. Podría haber una fase intermedia a partir del tema, de esta sugerencia porque aún no representamos. Ahí puede haber una idea incluso ajena al dibujante, en la fase de representación podría haber a mi lado alguien, como un director de arte. La idea también puede ser mía pero el último escalón sería la ejecución, la forma de presentar esa idea. A veces no se tiene en cuenta, porque el dibujante no se pone a dibujar sin más, tiene primero que pensar, esto es lo que llamo la idea, la idea a partir del tema. No funciona tanto en el cómic aunque podría darse el caso de un tándem: uno piensa a partir de un guión, esto lo vamos a resolver así o asá, y luego la mano ejecutora, que indudablemente puede ser genial. En fin, que funcionan cosas que no son el propio dibujo sino una fase intermedia que yo creo que a veces el público, el lector, olvida: el ingenio sobre la técnica del dibujo, la fase de pensar.

Normalmente se piensa que el dibujante se tira en plancha, por así decirlo, a hacer el dibujo sin tener la gramática.

Cierto, pero a veces se confunden con el guión. El guión está resuelto. Pero al convertir el guión en imagen pueden surgir ideas, ideas que se aplican sin perjudicar el texto. Por ejemplo, en el terreno cinematográfico, la fotografía cinematográfica es un elemento pero las ideas que aporta el director sobre determinadas cuestiones, cómo presentar aquello, cómo disponer la cámara, bueno hay muchos ejemplos que no vamos a entrar. Pero está claro cuando hay ingenio, no sólo imagen, sino ingenio detrás…

….y además puede ser narrativo, a ver, el caso más innegable, la presentación del personaje principal de la película Casablanca, por ejemplo.

Evidente. (Risas) Se puede hacer de una forma vulgar o de una forma pensada, estudiada. Cuando hablamos de dibujo, de ilustración, de cómic, creo que es lo que define a un gran autor, a un autor interesante de otro autor que puede ser un genial dibujante pero le falte ese aspecto ingenioso, ese aspecto de darle vueltas al asunto para aportar algo más que el mero dibujo genial.

(Continuará...)

Miradas. Entrevista a Miguel Calatayud I

2009-10-05T22:37:00.015+02:00

Miguel Calatayud (Aspe, Alicante 1942) es ilustrador y dibujante de cómic. El pasado 15 de septiembre obtuvo uno de los más importantes galardones por el conjunto de su obra, el Premio Nacional de Ilustración 2009. Artista de mirada radical, lleva cuarenta años deleitándonos con sus propuestas fuera de toda tendencia o catalogación. Ha realizado cerca de medio centenar de libros de ilustración y una decena de álbumes de historieta con textos propios y ajenos. Nos hemos desplazado hasta Valencia para recoger de primera mano sus impresiones y realizar un acercamiento tanto a su persona como a su trabajo.

En una carrera tan plagada de éxitos y reconocimientos, inclusive de la crítica ¿Cómo te sientes con este galardón? ¿Lo esperabas?

Respecto al momento ha sido una absoluta sorpresa. Este reconocimiento me halaga, me contenta, vamos que me encuentro muy bien. Este premio es interesante por dos aspectos. Primero porque se decidió que se concediera al trabajo visto de forma retrospectiva a toda una vida. Si alguien ve mi currículo se encuentra con que ya lo había recibido con anterioridad. No es exacto, porque el reconocimiento de ilustración de carácter nacional se concedía antes a un título de un libro y un año de publicación concreto. Ahora se intenta que el premio de ilustración esté homologado y al mismo nivel que el resto de reconocimientos artísticos y se concede desde hace ya un año a una trayectoria. Segundo creo que es muy bueno para la profesión porque sitúa a todos los colegas al mismo nivel de calidad que el teatro, el cine, el trabajo literario y es, cada vez más, normalizar lo que es la consideración respecto a la ilustración. Me parece importante, al margen de mi alegría por haberlo recibido, ya que a lo ancho y largo del estado hay gente que ha dedicado a esto toda su vida y que ahora tengan la posibilidad de ver su trabajo reconocido de esta forma me parece valiosísimo. Ya era hora.

¿Cuándo decidiste ser dibujante? ¿Fue un impulso consciente, fue vocacional?

La aproximación al trabajo de ilustrador viene dado primero por un disfrute como contemplador, como admirador, vives esto en la infancia, te gusta, te atrae. A mí me toco vivir la posguerra, no la inmediata posguerra pero casi, el tebeo para nosotros era la posibilidad de volar, de viajar, de estar en otros lugares, de conectar con héroes queridos, por no hablar del cómic de componente humorístico, de las páginas de revistas como Pulgarcito, como del TBO. Ahora las vemos con otros ojos porque para nosotros son documentos. Este disfrutar contemplando te lleva evidentemente a hacer pinitos, y empezar a hacer dibujitos. Luego un amigo te lleva a probar alguna técnica porque te dice que hay unas tintas y que con esas tintas metes un color que queda mejor, es decir, que es como una cadenita que te va aproximando de una forma absolutamente ingenua y sin ninguna pretensión. Nunca pensé que me dedicaría a esto. En mi caso fue una progresión. En mi etapa de formación estaba atentísimo a todo lo que se producía, a todo lo que nos llegaba, porque eran otros tiempos, ahora las posibilidades de información son totales, pero en nuestra época te llegaba algo con una revista Marie Claire de Francia, una publicación inglesa, una de Norteamérica, había que buscarlo. Todo lo acabas integrando en tu evolución. Siempre he defendido que un dibujante o un artista que se dedique a esto tiene que estar atento a todo lo que se está haciendo. Supone una constante inquietud. En resumen, es una evolución generada primero por tu interés, por esa labor como admirador, como lector, como disfrutador. Luego, de alguna manera, tomas la decisión de involucrarte profesionalmente. Hay un aspecto fundamental, que es la dedicación de tiempo. Esta no es una labor que se puede despachar alegremente en un ratito, hacerla con responsabilidad requiere de tiempo, no sólo de ejecución sino de reflexión.

¿Cuál es el proceso de trabajo que sigues desde el papel en blanco hasta que acabas una ilustración o una página de cómic?

Cuando me enfrento con el papel en blanco siempre da un poco de vértigo pero tiene el atractivo de lo que va a ocurrir. Con un primer boceto no te basas en nada, y si cuentan que tienes el dibujo en la imaginación, lo que tienes es una tendencia, tienes una idea, pero la idea no toma forma hasta que la presentas. Para mí es un momento absolutamente precioso. Aunque vayas a tantear. Acabo de hacer un cartel para unas fiestas de Bocairent. A veces, te quedas pensando con la pluma estilográfica, haces un monito pequeño, tamaño sellito, y uno, me dio la clave del cartel. Hasta el punto de que fui a una fotocopiadora a ampliar. Luego lo cambias y lo enriqueces. Después, es un proceso. Es considerar las dimensiones, ajustar proporciones, llegar al formato, el estudio de color, etc. Frente al papel en blanco funcionas de una forma inconsciente, como si hicieras apuntes, como si hicieras bocetos y cuando sale algo interesante, he de confesar, que es el momento más apasionante, más emocionante, es el momento de autentica creación. El papel estaba en blanco, la idea no existía, y de pronto, aparece.

(Continuará...)

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en septiembre de 2009)

Miguel Calatayud, Premio Nacional de Ilustración 2009

2009-09-15T22:37:00.007+02:00

Ni se imaginan la alegría que me ha dado esta noticia. Miguel Calatayud ha sido reconocido con el Premio Nacional de Ilustración 2009. ¡¡Felicidades maestro!! Más información aquí, aquí y aquí.

Miradas. Entrevista a Miguel Ángel Díez

2009-09-08T21:50:00.012+02:00

Miguel Ángel Díez (Aspe, Alicante 1973) es ilustrador y dibujante de comics. De complexión serena y mirada intensa, es tímido y poco dado a mostrarse en público (aunque últimamente no para). Cuida en su conversación una vena irónica que siempre hace sonreír. Es un trabajador incansable. Forjado a si mismo, ha creado de la nada un estilo propio de dibujo y una manera de entender su vocación esculpida a lo largo de años y de constancia. No se le recuerda sin una hoja de papel, sin un lápiz en la mano, sin esa mirada decidida, sin esa determinación en su trazo. Ha sido ganador del Jóvenes Creadores de Madrid y accésit en tres ocasiones en el mítico Certamen de Cómic e Ilustración INJUVE. Fue seleccionado para adaptar a cómic la novela de Joseph Conrad, El corazón de las tinieblas. Tras este encargo, da un giro a su carrera y abandona momentáneamente el dibujo de cómic. Empieza a trabajar con el objetivo de entrar en el mundo de la ilustración. Lo consigue. En 2007 publica su primer libro ilustrado: Estela. Ese mismo año gana el 1º Premio del VII Certamen Internacional de Álbum Ilustrado Ciudad de Alicante. Hasta la fecha lleva ocho libros ilustrados publicados.

¿Por qué decidiste ser dibujante?

En realidad no es algo que eligiese conscientemente. Sencillamente me ha ido empujando desde pequeño. A veces fastidia un poco, pero es un mal menor.

Inicialmente comienzas tu trabajo como dibujante de cómic. Más tarde trabajas como ilustrador ¿Cómo se produce ese cambio, en apariencia radical?

Antes de dedicarme a la ilustración me gustaban dos mundos creativos teóricamente opuestos, por un lado el mundo del cómic y por otro el mundo del dibujo artístico y de la pintura. El primero me interesaba por su capacidad para contar historias (y por ello, teóricamente, con un dibujo funcional y rápido) y el segundo por permitirme un trabajo visualmente más acabado (y por ello, teóricamente, poco narrativo). La ilustración supuso para mí el encuentro de ambos mundos. Me permitía al mismo tiempo contar una historia pero con un buen acabado visual. Vamos, el paraíso.

¿Cómo te defines, eres un ilustrador que dibuja cómic o un dibujante de cómic que ilustra?

Continuando con la respuesta anterior; me considero un narrador.

De Aspe es también un ilustrador de reconocida trayectoria, Miguel Calatayud. ¿Cómo te ha influido? ¿Qué piensas de su trabajo?

Existe una cierta dicotomía, dentro del mundo de la creación artística, sobre si el arte debe ser algo meramente estético o por contra algo funcional. El trabajo de Miguel Calatayud como ilustrador y dibujantes de cómics demuestra (con un estilo visual que nunca dejará de ser moderno) que se puede ilustrar, por ejemplo, un libro dirigido a un niño (destinado comercialmente a la venta) y ser al mismo tiempo un trabajo artístico digno de un museo. Ha abierto para todos una ventana en una habitación cerrada.

¿Cuáles son los autores que más han influido en tu obra?

Han sido muchísimos a lo largo de mi vida... Además me influyen habitantes de ámbitos paralelos al mío como el cine, la música o la literatura. De todas formas quién mejor me ha servido de guía ha sido el ilustrador alicantino Pablo Auladell. Entiendo este mundo mucho mejor gracias a él.

Has trabajado con distintos escritores como Pablo Albo, Nieves Pérez, Pedro Villar o Beatriz Osés. ¿Cómo es trabajar con ellos? ¿Cómo es vuestra relación?

Cada uno de ellos tiene su propia personalidad artística, pero hasta ahora el proceso de trabajo ha sido básicamente el mismo; el escritor me da un texto acabado, salvo retoques de última hora, y yo hago mi propia interpretación artística de él con total libertad y autonomía. No solemos influir en los procesos del otro, aunque hay alguna excepción. Por otro lado, no sé como serán las relaciones de otros ilustradores/escritores pero yo he tenido la suerte de trabar una buena amistad con muchos de ellos, sirva de ejemplo que ya tengo proyectos nuevos con los escritores que has mencionado.

Cuando recibes un encargo, ¿Cuál es el proceso que sigues hasta la ilustración final?

Simplemente dejo crecer la historia dentro de mi cabeza. Me gusta que mi propia interpretación del texto siga su curso sin demasiadas ataduras e incluso que pueda darme cuenta de que lo he enfocado mal y variar el rumbo en cualquier momento. Además soy muy nervioso en los instantes previos y por ello poco dado a planificar detalladamente el trabajo desde el principio. Tengo pocas pruebas de dibujo previas al proceso definitivo. Por contra, soy muy paciente en el acabado final.

¿Cuál es el libro del que estás más satisfecho? ¿Y cual, el que más satisfacciones te ha dado?

No puedo responder a ninguna de las dos preguntas. Hasta ahora, la libertad creativa que he tenido me ha permitido convertir esos trabajos en trabajos propios. En todos hay una parte importante de mí, con sus aciertos y sus fallos. Recordando los procesos de creación de los libros me doy cuenta de que fueron una verdadera aventura para mí.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo varios, pero los más inmediatos son: ilustrar "Debajo de la higuera hay un tesoro", un cuento escrito por Pablo Albo para la editorial Anaya; y dos cómics: "Cuanta tierra necesita un hombre", adaptación propia (que dios me coja confesado) de un cuento de Lev Tolstoi para la editorial Edelvives; y un sugerente proyecto sobre la vida de Miguel Hernández, con guión de un tal Pedro F. Navarro que publicará la editorial alicantina Edicions De Ponent.

¿Podemos decir que este trabajo supone tu vuelta al mundo del cómic?

Si, pero muy moderada.

¿Qué le dirías a un joven dibujante de cómic o ilustrador que quiera entrar en este mundo?

Por un lado, que se busque a sí mismo sin dejar de mirar a su alrededor, por otro que no haga mucho caso a los consejos.

Gracias por tu tiempo Miguel Ángel. Esperamos verte pronto de nuevo en Aspe presentando nuevos libros.
Si desean conocer las obras y trayectoria de Miguel Ángel Díez, autor de nuestra tierra, no duden en visitar su blog www.miguelangeldiez.blogspot.com estarán al tanto de sus próximos trabajos y presentaciones. Indispensable.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en agosto de 2009)

Auladell...

2009-09-01T23:31:00.003+02:00

Pablo Auladell acaba de estrenar su página web. Al igual que su trabajo, el sitio está exquisitamente realizado. Pinchen aquí.

Estamos de vuelta

2009-09-01T23:15:00.005+02:00

Se acabaron las vacaciones y tengo preparadas lecturas para sobrellevar ese síndrome que desde que lo nombraron en los medios por vez primera le da por aparecerse todos los septiembre.
Contenidos no nos van a faltar, para empezar esta misma semana iniciaremos la temporada con una entrevista al ilustrador alicantino Miguel Ángel Díez, continuaré colgando los artículos que he publicado en distintas revistas a lo largo de los años, y seguiremos con más entradas relacionadas con la serie de Las Ciudades Oscuras. Además de la sección Noveno Arte, iniciaremos Retazos, y en fin, ya les iré contando conforme avancemos...

Soy mi sueño

2009-07-28T23:39:00.007+02:00

Soy mi sueño. Felipe Hernández Cava y Pablo Auladell. Edicions de Ponent. Cartoné. 74 págs. Bitono.

Erich Hafner, comandante de la Luftwaffe, escolta hacia el cerco de Sebastopol un tren de doscientos cuarenta y cinco vagones que transporta “uno de los orgullos del Reich”: el poderoso cañón Gustav. Su escuadrilla es atacada, su avión, tras una maniobra evasiva, cae. Le rescata Solaya, una chamana tártara, que le curara de sus heridas y le alejará de la muerte. “El tiempo ahora no existe. Pasado, presente y futuro hace rato que se entrelazaron”.
Felipe Hernández Cava (Madrid, 1953) y Pablo Auladell (Alicante, 1972) nos transportan hacia un viaje al interior de Erich, a su mente, a sus recuerdos. Un viaje a la búsqueda de la razón de ser de su existencia, y de la misión que ha de desempeñar en la vida. Tendrá que entender su pasado, el de aquel niño de diez años de Dresde que le dejó su padre y que su madre llevaba de vez en cuando a ver “los querubines y la señora” pintados por Rafael. Tendrá que ajustar cuentas con su pasado y tener encuentros que no sucedieron. Será en uno de esos encuentros, en una conversación con su padre, cuando entienda la relación de amor/odio de la que él proviene. “Yo fui el fruto de dos malditas almas libres”. Solaya, la chamana tártara, al devolverlo con los suyos le mostrara el terror que están inflingiendo. La máxima se nos hace más clara y no importan las razones, o peor, los razonamientos, siempre acaba por cumplirse: “Quien tiene el poder, lo ejerce”.
La narración de Cava apoyada en varias voces desgarra al lector arrojándolo a una historia en donde no hay asideros, nada es fácil, y las resoluciones no son tópicos de manual. La historia tiene un aire de verdad flotando en las viñetas que nos hace estremecer, y el puzzle, que tanto molesta al lector imberbe es de una elegancia y maestría como sólo el escritor de Las Memorias de Amorós nos podía regalar. El dibujo de Auladell es tormentoso, lleno de nubarrones, las manchas de grises otorgan volúmenes que estremecen, y las sombras, se transforman en luces cuando emborronan rostros y espacios abiertos que producen vértigos. El uso del bitono, el uso del collage, la composición de imagen, la elegancia en el diseño, nos habla de un dibujante que no olvida ningún detalle.
Al final, la frase que da sentido y razón a esta impresionante obra nos sacude: “¿Y si fuera cierto que estamos presos en un sueño del que despertamos únicamente al morir?”
Aunque haya sido ignorada, ha sido y será, la mejor obra española del año 2008. No la dejen pasar.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en julio de 2009)

Poco

2009-07-13T20:30:00.004+02:00

Poco. Ricard Castells. Ediciones Sins entido. Rústica. Dos tomos. 48 págs c/u. Color.

Entre la bruma de una mañana una niña te despierta. Estás en un descampado. Te conoce. Te pregunta si estás borracho. No lo estás. Aturdido te incorporas. No recuerdas nada. Te dice que eres un vampiro. No la crees. Te dice que te lo va a demostrar. Saca una pistola. Te pega un tiro. Caes desplomado al suelo. Te levantas como si nada. Ves, eres un vampiro, te dice. Te quedas mirándola. “¡Podías haberme matado!”, le contestas indignado. Ricard Castells (Barcelona 1955-2002) es un autor de una imaginación extraordinaria. Toda su trayectoria ha estado marcada por el riesgo de sus propuestas y una coherencia estética a la que siempre fue fiel. Empezó su andadura en títulos comerciales a primeros de la década de los setenta como Dossier Negro, Terror Gráfico o Zombie. No mucho después comenzó la búsqueda de su voz personal. A partir del año 1981 trabajó en “Ecuador”, obra de largo recorrido que le ocupó cuatro años y que le llevó a encontrarse con esa voz tan perseguida y a la que a partir de ese momento elaboró y dotó de un andamiaje personal. Luchó por ser. Y publicó historias cortas en aquellas revistas y antologías que tuvieron el valor de albergarle. El medio no estaba preparado para asimilarle. Se adelantó a su tiempo. Castells no cejó. Y tras una lucha titánica. Un editor, Paco Camarasa, fue al rescate de las páginas de una de sus obras. Se publicó en 1998. “Lope de Aguirre, la expiación” fue una conmoción en el medio. Se reconoció como la mejor obra del año por el Salón del cómic de Barcelona y colocó a su autor en el lugar que le correspondía por derecho. Al año siguiente vio la luz Poco. Cuando uno se acerca a estas páginas lo primero que le envuelve es una atmósfera poética que navega en planchas leves rozadas por una acuarela aérea. Ambientada en la Barcelona de 1923 los personajes deambulan por una realidad mágica. La narración es de una delicadeza y una fluidez que desarma. Poco acompaña a la niña. Llegan a casa de su abuela. Cerca hay un faro. Decide quedarse a vivir allí. Es un vampiro sin recuerdos. Desea recuperar su memoria. Iniciará la búsqueda. Verdadera metáfora de la vida de su autor. Ricard Castells nos dejó demasiado pronto. No hubo tiempo de despedidas. Maestro, sus personajes y sus lectores, le esperamos. Regrese.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en junio de 2009)

Las Ciudades Oscuras III

2009-07-07T21:14:00.003+02:00

A través del tiempo

Las ciudades oscuras nos hablan de utopías, de personas que desean transformar todo su entorno en pos de unos ideales un tanto dudosos como la perfección y simetría de una ciudad o el avance de un progreso arrollador que piensa más en su meta que en los propios habitantes de la ciudad, siendo estos relegados a la transformación o en el peor de los casos como ocurrió en la ciudad de Bloossfeldstad al olvido. Hay varias particularidades que hacen sobresalir la serie de las ciudades oscuras y es la posibilidad de poder recorrer un mundo y sus personajes a través del tiempo, apareciendo jóvenes y viendo como van envejeciendo y cruzando las etapas de su vida, libro a libro; del mismo modo que vamos viendo cómo evolucionan y progresan las ciudades. Otra idea de los autores es que cada libro, cada álbum, sea autónomo en su concepción permitiendo la lectura en cualquier orden y no necesitando tener la serie completa para poder disfrutar de un solo libro sea cual fuere; este hecho da la posibilidad de empezar la serie de las ciudades oscuras por cualquier libro e iniciar, como comentábamos al principio del artículo una exploración personalizada de este mundo lo que le otorga a la serie una gran variedad de miradas y de interpretaciones a medida que el lector va sumergiéndose en la lectura de los álbumes. Sin lugar a dudas la serie de Las Ciudades Oscuras es una de las más importantes que se publican en la actualidad y su longevidad recién superado el veinte aniversario no nos hace más que alegrarnos de su gran vitalidad y fuerza. Queda para otro momento el hablar de los innumerables materiales surgidos a raíz de los álbumes como ilustraciones, historias cortas, películas y documentales, discos, objetos, escenografías urbanas y exposiciones relacionadas con este continente tan particular.

Los álbumes: cronología de la serie en Francia

Todas las obras, dibujo de François Schuiten, guión de Benoît Peeters, editadas por Casterman.

• Les Murailles de Samaris, 1983
• La Fiebre d’Urbicande, 1985
• Le Mystêre d’Urbicande, 1985
• L’Archiviste, 1987
• La Tour, 1987
• La route d’Armilia, 1987-1988
• Encyclopédie des transports présents et à venir, 1988
• Le Musée A. Desombres, 1990
• Brüsel, 1992
• L’Echo des Cités, 1993
• Mary La Penchée, 1995
• L’Enfant Penchée, 1996
• Le Guide des Cités, 1996
• L’Ombre d’un Homme, 1999
• L’Etrange cas du Docteur Abraham, 2001
• La Frontière Invisible, Tome I, 2002

Los álbumes: cronología de la serie en España

• Las Murallas de Samaris. Editorial Nueva Frontera, col. Vertigo núm. 9, Madrid, 198?
• La Fiebre de Urbicanda. Editorial Eurocómic, col. Negra núm. 23, Madrid, 198?
• La Torre. Editorial Eurocómic, col. Negra, núm. 26, Madrid, 198?
• El Archivista. Norma Editorial, (Fuera de colección, formato 300x390mm), Barcelona, 1991
• Brüsel. Norma Editorial, col. Las Ciudades Oscuras s/n, Barcelona, 1993
• La Chica Inclinada. Norma Editorial, col. Las Ciudades Oscuras s/n, Barcelona, 1996
• La Sombra de un Hombre. Norma Editorial, col. Las Ciudades Oscuras s/n, Barcelona, 2000
• El Archivista (nueva edición). Norma Editorial, col. Las Ciudades Oscuras s/n, Barcelona, 2001
• La Frontera Invisible, Vol. 1. Norma Editorial, col. Las Ciudades Oscuras s/n, Barcelona, 2002

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº25 en la primavera de 2003)

Las Ciudades Oscuras II

2009-07-02T23:31:00.010+02:00

El inicio de la serie

Algo más de veinte años han pasado desde la publicación en la mítica revista A Suivre en su número 53 del primer capítulo de la obra Las Murallas de Samaris. Primera colaboración oficial del dibujante François Schuiten y del guionista Benoît Peeters.

Y no podía ser de otro modo sino fruto de una serie de casualidades.
Schuiten y Peeters se conocían desde los doce años cuando asistían juntos a las clases de pintura que impartía el padre del primero, Robert Schuiten. Desde este momento se estableció entre ellos una complicidad en la forma de hacer y ver las cosas que hacía presagiar su futura colaboración. Llegaron incluso a imaginar un revista: Go.
A Suivre rechazó la publicación del libro Aux Medianes de Cymbiola, obra realizada a partes iguales entre Schuiten y Claude Renard1, alegando la revista problemas de índole técnico; este rechazo fue el germen del inicio de la colaboración con Peeters. Schuiten en una entrevista2 comenta las razones por las que decidió colaborar con Peeters: “Amaba la historieta y estaba muy interesado en el medio. Por convicción, porque se había establecido una rara connivencia entre nosotros, sentía que era el colaborador ideal”.
Comenzaron a preparar el proyecto conjunto que sería la propuesta del libro de Las Murallas de Samaris, encontrando lugares comunes, algo nada difícil entre ellos. A Suivre la aceptó rápidamente.

Las formas

Nunca se plantearon la realización de una serie según el modelo clásico. Intentaban con sus propuestas realizar historias interconectadas pero que no tuvieran una continuidad clara. Hubo un momento en que su editor les propuso ubicar los libros publicados bajo un epígrafe común. Aquello supuso una decepción para los autores ya que tenían que abdicar de una manera de ver sus libros más como un abanico de posibilidades cambiantes que como una realidad común.
Todos los libros de la serie de Las Ciudades Oscuras están concebidos con una forma determinada y distinta, así podemos encontrar desde un relato mítico y fundacional como La Torre, a un diario de viaje en dirigible en La route d’Armilia, pasando por un formato de periódico en L’Echo des cités, o el equivalente a un atlas geográfico e histórico en Le guide des cités.
Pese a las formas, quizás un tanto extravagantes, miradas desde un exterior, los autores intentan por todos los medios no caer en repeticiones queriendo sorprender al lector con propuestas diferentes.
El concepto narrativo sí tiene una cierta repetición de moldes siendo siempre la propuesta de un viaje, interior o físico, el desencadenante de la acción lanzando hacia delante con un ritmo calculado la historieta, y no dejando acabar la obra más que con el final del viaje iniciado. El personaje principal siempre se ve arrastrado contra su voluntad al viaje que no prevé y que inicia debido a ciertos imprevistos; durante su viaje se encontrará irremediablemente con una mujer que le provocará una atracción inexorable. Este esquema se cumple en casi todas las obras. La chica inclinada, es el álbum que invierte el esquema, creando una situación atípica para el inicio de una búsqueda por parte de la protagonista Mary Von Rathen siendo en esta ocasión un personaje femenino quien debe iniciar el viaje, más una huida, encontrando un personaje masculino decisivo en su vida.

Todo un mundo: un intento de cronología

El año cero de las ciudades oscuras marca el inicio de la construcción de su primera utopía: La Torre.
Hacia el año 450, Giovanni Battista, mantenedor de la Torre, no podrá arreglar los desperfectos del sector que le ha sido encargado debido a la escasez de materiales para realizar las reparaciones, comenzará así el primer viaje mítico hacia la base de la Torre.
Es el año 696 decisivo para comprender la verdadera cronología que envuelve todos los álbumes de las ciudades oscuras hasta el presente aproximado del año 769. Es en este año cuando hasta el Consejo de la ciudad de Xhystos llegan rumores extraños sobre la ciudad de Samaris, y deciden enviar a un joven oficial para investigar, Franz Bauer. Su viaje durará nada menos que dieciocho años, lapso temporal impredecible para su protagonista, hasta el año 714 en el que regresará a Xhystos encontrándose con un joven Eugen Robick, uno de los personajes fundamentales de la serie.
En el año 719 se crea el periódico L’Echo des Cités, editado en diversos idiomas y con el compromiso de llegar a todas las ciudades del continente oscuro. No mucho después, un joven secretario de redacción, Stanislas Sainclair será nombrado redactor jefe dando un nuevo impulso al rotativo gracias a la incorporación del color.
A partir de este momento acontecimientos singulares se sucederán uno tras otro, fascinantes e improbables. Como la aparición en la ciudad de Samarodrive del Capitán Nemo –o quizás como algunos de los testigos afirmaban fuera el escritor Julio Verne caracterizado como su personaje más querido. –, o los hechos y hallazgos de personajes variopintos como el inventor Axel Wappendorf, o el aventurero y fotógrafo Michel Ardan, o narraciones tan bellas como el viaje del huérfano Bogdam atravesando parte del continente, sin ningún medio, rumbo a La Ciudad del Libro ubicada en las cercanías de Brüsel.
El año 735 es otra fecha importante, en unas obras en la ciudad de Urbicanda se encuentra un cubo de apariencia inocua que será llevado al despacho del Urbatecto de la ciudad que no es otro que Eugen Robick. Las repercusiones de este hallazgo sacudirán todos los estamentos de la ciudad, y del continente oscuro.
Inspirándose en las reformas estructurales de algunas ciudades, Brüsel iniciará su total reconstrucción hacia el año 745-746, con inesperadas consecuencias, nos encontraremos con viejos conocidos como Axel Wappendorf o el propio Eugen Robick. El inicio de este álbum trae a la memoria un texto de Franz Kafka, El Castillo.
En este mismo año se producirá uan avería importante en la regla del tiempo, un viaje en dirigible a través de las ciudades intentará poner solución a este hecho sin precedentes.
Al año siguiente la familia Von Rathen viaja a Alaxis produciéndose en una atracción de la ciudad un efecto secundario sobre la hija, Mary, dejándola inclinada. Comenzará para ella una huida de varios años a la búsqueda de una solución que culminará en el año 751 en el Mont Michelson.
En el 750 se produce un descubrimiento que pondrá en duda el propio relato fundador de la Torre, el descubrimiento en el paraje de Marahuaca, en el desierto de los Somonitas, de un mastaba que data de tiempos anteriores a la propia Torre, su descubridor Benedickt Loderer avisará enseguida a Michel Ardan comenzando juntos la exploración de la tumba.
En el 755 se producirá en Pahry el lamentable suceso del doctor Abraham.
Siete años más tarde en el 762 se producirá el cierre del periódico L’Echo des Cités, unos meses después aparecerá uno nuevo de la mano de Michel Ardan, La Lumiere.
Esta pequeña cronología tan sólo quiere aportar una sesgada visión de los acontecimientos más reseñables, siendo multitud los pequeños detalles, noticias y sucesos que dejo sin mencionar.

1. François Schuiten, Claude Renard. Cymbiola. Editorial Eurocómic, col. Negra, núm. 17, Madrid, 198?.
2. Dossier Schuiten. BFB Editions, col. Les Dossiers de DBD núm. 6, París, 2002.

(Continuará...)

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº25 en la primavera de 2003)

Las Ciudades Oscuras I

2009-06-25T23:18:00.010+02:00

Tras la aparición de mi primer artículo en Yellow Kidd en septiembre de 2002. El redactor jefe de la revista Las Estaciones de Nemo, Javier Riva, me propuso colaborar con un artículo en su siguiente número. No podía creérmelo. Sentí que estaba preso de un sueño. Solicité escribirlo sobre Las Ciudades Oscuras de Schuiten y Peeters. Lo aceptaron. Y así nació este extenso texto sobre uno de los mundos míticos por excelencia de la historieta europea, aún por descubrir en su totalidad en nuestro país. No acabaron las sorpresas. Cuando apareció el número 25 de Las Estaciones de Nemo la portada estaba dedicada a mi artículo. Me sentí como en casa y allí estuve hasta el final. Espero que lo disfruten.

Las Ciudades Oscuras

Franz Bauer cruza la Puerta B, Eugen Robick se duerme en su despacho, Isidoro Louis abre incrédulo otro libro, Giovanni Battista recoge sus cosas, Ferdinand Robar desea ver ocultarse el sol en el Bosque de Megara, Constant Hables grita desde una ventanilla mientras Tina Tonero le escucha, Stanislas Sainclair abre un nuevo camino en su periódico, Mary Von Rathen levanta los brazos, Albert Chamisso despierta sobresaltado, Roland de Cremer otea el horizonte…

¿Mito o realidad? El reflejo y los exploradores

Debemos partir de una duda razonable sobre la existencia o no de las ciudades oscuras. Hay tantos argumentos a favor como en contra. Un planeta no lejano al nuestro es lo que llamamos “las ciudades oscuras”, “el continente de las ciudades oscuras”, o simplemente “el otro mundo”. No sabemos dónde se encuentra, ni tampoco la distancia que nos separa. Sí sabemos que nuestro satélita, la luna, se manifiesta de forma pareja en ambos mundos por lo que pensamos que una cercanía no es una idea tan descabellada, y sí plausible. Hay hipótesis, no podemos obviarlas, que nos dicen que ambos planetas pueden sufrir una especie de eclipse perpetuo, ya que desde las ciudades oscuras no se ve la Tierra y viceversa. Explicaciones, tantas como queramos dar; Schuiten y Peeters en el libro La Guía de las Ciudades (Le guide des cités) apuntan: “Curvatura del espacio, falla temporal, universos engastados: todas estas hipótesis son demasiado insuficientes para llegar a comprender de manera satisfactoria cómo están unidos los dos planetas” ¿Quizás sea un reflejo distorsionado de nuestras ambiciones? Al acercarnos a este mundo debemos hacerlo desde las perspectiva de un “explorador” en el sentido más estricto del término. Schuiten y Peeters los autores del libro anteriormente mencionado nos hablan del problema cartográfico indicándonos que cada ciudad, durante decenios, ha pensado ser el centro de su mundo (¿vanidad?, ¿reflejo de las teorías de nuestro planeta?), y sus mapas siempre han sido confeccionados con esta premisa, ahora podemos decir que una parte del mundo de las ciudades oscuras está explorado, pero la parte más extensa sigue siendo un misterio para todos. Existen en estos momentos varias cartas geográficas bastante precisas, aunque las dudas nos siguen asaltando. No menos inquietante es el problema histórico, pensemos que su presente es el del “año”, tomemos los términos con reservas, 769 aproximadamente. Su año cero se determina con un acontecimiento básico: el inicio de la construcción de La Torre. ¿A qué año de nuestra cronología sería equivalente?, es imposible determinarlo. Anteriormente a La Torre, ¿qué civilización había, si la hubo?... Las ciudades más importantes de este mundo son, por orden alfabético: Alaxis, Armilia, Blossfeldstad, Brüsel, Calvani, Mylos, Parí, Sodrovno-Voldachie (La), Urbicande, Xhystos. Sigamos con la teoría del reflejo y démonos cuenta del parecido de estas ciudades de nuestro mundo, ¿Brüsel sería el reflejo de Bruselas?, ¿Parí sería el reflejo de París? Las ciudades oscuras, podríamos decir, que existen, que no son creación de nadie, y menos aún de Schuiten y Peeters. Ellos nos dicen con claridad: “contrariamente a una de las leyendas más extendidas, no somos los inventores de las ciudades oscuras ni tampoco los primeros en evocarlas”. Debemos entender a los autores como dos exploradores que han encontrado la manera de poder atravesar la “barrera” que ambos mundos separa. ¿Cómo lo han hecho?, ese es uno de los misterios. Existen “pasajes” que llevan de un mundo al otro. ¿Dónde se encuentran? ¿Cómo se utilizan? Schuiten y Peeters nos cuentan cómo comenzó todo, fue un domingo del año 1980 durante una visita al Palacio de la Justicia de Bruselas –obra de un enigmático arquitecto, Joseph Poelaert, del cual se conservan sólo rarísimos datos acerca de su vida, y grandes lagunas, como por ejemplo el paradero de los planos del inmenso palacio, o cómo fue posible que con un mínimo currículo consiguiera hacerse con un encargo como el del palacio. – en una de sus salas hallaron por azar lo que más tarde llamarían “pasaje” que les condujo a un mundo desconocido, el continente de las ciudades oscuras. A su regreso tuvieron la necesidad de escribir sobre “el otro mundo” utilizando el medio que mejor conocían: la historieta. Aseguran incluso el haber tenido contacto postal con una habitante de la ciudad de Mylos: Mary Von Rathen.

(Continuará...)

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº25 en la primavera de 2003)

Tras el Saló

2009-06-08T22:10:00.013+02:00

Este año las sensaciones han sido encontradas. El viernes el Saló empezó como El Imperio Contraataca. Ciertas esperanzas se iban truncando. Quizás albergué demasiada expectación. Y las ganas que uno siempre tiene no se vieron desbordadas como otros años. El Saló lo sentí más breve, con menos stands, menos librerías, menos editoriales, y las exposiciones un tanto ligeras de contenido. La crisis se hace notar en todos los ámbitos.
La mejor exposición fue, sin duda, la dedicada a Alex Raymond. Pocas planchas sí, aunque de una calidad insuperable. Una ventana a los años 30 del siglo pasado que nos demuestra que la sorpresa y la fascinación de su publicación no han disminuido más de seis décadas después. En el blog La Canción de Tristan pueden encontrar unas magníficas fotos de esta muestra, pinchen aquí.
El sábado todo se recondujo. Ya les explicaré más adelante. La gente comenzó a llegar, y en ciertos stands encontré algunos jugosos cómics que se me resistían. Se produjeron dos encuentros favorables. Uno estaba programado y el otro me tomó por sorpresa. Después, unas cervezas con los amigos donde se habló de proyectos, de próximos tebeos por aparecer, de ilusiones y esperanzas. Y como final inesperado, un cómic difícil de encontrar, al menos por tierras alicantinas, me fue regalado, firmado y dedicado. Gracias Carlos, gracias Jorge.
El domingo concluyó el segundo encuentro. Un último paseo por el pabellón nº 8, y una comida suculenta fueron la despedida. Más tarde en el tren pude disfrutar de una conversación con nuestro carcelero favorito recién galardonado por su ya extensa trayectoria en la divulgación de este medio tan nuestro y querido.

27º Salón Internacional del Cómic de Barcelona

2009-05-29T00:17:00.002+02:00

29 de Mayo al 1 de Junio de 2009. Fira de Barcelona, Montjuïc.

No, hoy no les hablaré de un cómic sino de una de sus manifestaciones, un salón. Este próximo fin de semana se celebra en Barcelona uno de los acontecimientos más importantes en nuestro país. Cuando lean estas líneas estaré a punto de marcharme. La experiencia, les aseguro, merece la pena. El Salón Internacional del Cómic de Barcelona es impactante. Se celebra en el pabellón número 8 de la feria de la ciudad condal. Sus 17000 metros cuadrados albergan más de cien expositores profesionales y una treintena de expositores de fanzines. Nadie falta. La lista de novedades quita el aliento. La cantidad de visitantes en estos cuatros días se estima que será cercana a los 100.000, cifra que se consolidó el año pasado. Los números son de vértigo. Si a eso le añadimos una docena de exposiciones, numerosas actividades, como charlas, conferencias, presentaciones, mesas redondas, una lista interminable de autores invitados y una sucesión en los stands de las editoriales de firmas y dedicatorias sin descanso la diversión está garantizada. Destacar la presencia de los autores americanos Mike Mignola, creador de Hellboy, Scott Mcloud, Jim Lee y Jim Starlin. De autores europeos fundamentales como François Bourgeon, David B., Gipi, Philippe Francq y Nicolas Wild. Y por supuesto de los autores españoles, Carlos Giménez, Pascual Ferry, Daniel Torres, Juanjo Guarnido, Miguel Gallardo, Pablo Auladell, Jorge García, Pedro Rodríguez, Fermín Solís, Paco Roca, David Rubín por mencionar algunos. Las exposiciones más atractivas para el publico serán: la dedicada a la relación del cómic con el fútbol, Viñetas en fuera de juego, la de Batman en Barcelona, la de Esther y sus mundos, la de Jim Lee y la de Victoria Francés. Aunque les soy sincero, las que espero con más interés son las dedicadas a los ganadores de los premios del año pasado, y sobre todo, las de Gipi y Pascual Ferry. Además, las actividades paralelas son increíbles. Las V Jornadas de Cómic que se organizan en la Fnac Triangle tendrá como cierre el viernes 29 una sesión de firmas con la presencia de cuarenta y cinco autores. La Filmoteca de Catalunya proyectará un ciclo dedicado a las adaptaciones cinematográficas más significativas basadas en cómic. Si no me creen, visiten www.ficomic.com. Les espero en el Saló. No falten.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en mayo de 2009)

La montaña mágica

2009-05-19T06:32:00.000+02:00

La Montaña Mágica. Jiro Taniguchi. Ponent Mon. Cartoné. 72 págs. Color.

¿Recuerdan dónde perdieron el niño que fueron? ¿Recuerdan los olores de las estaciones cuando el barro les manchaba las rodillas? ¿Recuerdan las interminables tardes de juegos? Jiro Taniguchi (Tottori, 1947) es un autor atípico en Japón, no realiza sus historietas con la finalidad de ser productos de consumo, en sus trabajos hay una búsqueda, un estudio si quieren, de los sentimientos. Sus personajes nos hablan desde el fondo de sus corazones, nos hacen participes de sus vivencias, y nos hacen sentir. El papel se torna carne y Taniguchi nos deleita obra tras obra con personajes creíbles que adquieren vida conforme transcurren las viñetas, conforme avanza la historia. Cuando Jiro era aprendiz en el estudio de su maestro, el manga, el cómic en Japón, vivió una explosión temática, dejó de ser un reducto para convertirse con los años en un gran abanico de temas. Nuestro autor comenzó a devorar aquellas historias diferentes. En una librería extranjera de Ginza, en Tokio, hizo un descubrimiento que marcaría su vida y su forma de entender la historieta: el cómic europeo. “La nitidez del dibujo y la claridad de la composición eran nuevas para mí en aquellos álbumes. […] Pese a que no entendía los diálogos, sólo con mirar imágenes ya disfrutaba de la lectura, que además se editaban en formato grande, a color, con tapas duras… cosas todas impensables en Japón”. Aquello sucedió hace 35 años. Cuando hablamos de Taniguchi, acabamos diciendo que este autor es el más europeo de todos los japoneses. Sabemos el por qué. Casterman, una importante editorial, publica los trabajos de este autor en Francia. Le ofrecieron la posibilidad de poder realizar un cómic con formato europeo. Taniguchi aceptó el reto. “Mi sueño se hizo realidad”. Y todos sentimos que, de alguna forma, el círculo se cerraba. La montaña mágica fue el resultado. Es 1967, en Tottori, un niño de once años, Kenichi, huérfano de padre, se enfrenta a una despedida que no desea. Su madre debe ser ingresada en un hospital para ser operada. Siente un terrible peso en su ser. No sabe expresarlo. Es verano, son vacaciones, se refugia en una montaña cercana donde descansan las ruinas de un antiguo castillo. La fantasía y la realidad se dan la mano en esta historia y nos llevan hasta esos años olvidados de infancia, hasta ese tiempo perdido que no podemos recuperar…

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en abril de 2009)

La crisis de los 40

2009-05-14T18:11:00.006+02:00

El pasado lunes estuve en el ciclo La Crisis de los 40, una serie de lecturas dramatizadas que se está celebrando en la SGAE de Valencia. Paso a dos de Pedro Montalbán Kroebel es la que tuve la suerte de ver. Interpretada por los actores Jerónimo Cornelles y Vicente Arlandis de manera impecable e incontestable. Me gustó. Mucho. La verdad. Me sorprendió, no sólo por el trabajo actoral, sino por el elegante trazo del diálogo, su sonoridad, su paso dulce, su tempo contenido. Les aviso, el próximo lunes 18 a las 19:30h, podrán asistir a la lectura dramatizada de Donantes del autor Antonio Cremades. Será interpretada por los actores Juan Mandli, Pep Ricart, Pilar Almería, Jerónimo Cornelles, Ana Cediel y Lola López. Un autentico lujo. Todo un festín teatral. Conozco la obra y a su autor. Sin lugar a dudas les sorprenderá. Además, en breve, realizaré un seguimiento en este pequeño rincón virtual de la trayectoria de Antonio Cremades.

Las serpientes ciegas

2009-05-10T10:19:00.003+02:00

Las Serpientes Ciegas. Felipe Hernández Cava y Bartolomé Seguí. BD Banda. Cartoné. 72 págs. Color.

Overtura. New York, 1939. Un recién llegado se enciende un cigarro sobre la azotea de un edificio. Escuchamos sus pensamientos. “Me han encomendado la misión de encontrar a un hombre que incumplió un pacto. Y en eso consiste mi trabajo: en capturar a los insinceros para hacerles ver que no se puede dar en vano la palabra propia”. Felipe Hernández Cava (Madrid, 1953) y Bartolomé Seguí (Palma, 1962) nos ofrecen una impresionante historia con tintes de serie negra aderezada por una suerte de venganza nacida en pretéritos encuentros y desencuentros ideológicos entre los personajes que desembocará en un enfrentamiento durante la batalla del Ebro en el transcurso de la Guerra Civil española y culminará en el New York de 1939. No en vano esta obra, publicada originalmente en Dargaud, acaba de recibir sendas nominaciones del Saló del Cómic de Barcelona. Mejor obra y mejor guión de autor español. Aunque a titulo personal me resulta una injusticia que el trabajo de Seguí haya quedado huérfano de una más que merecida nominación a mejor dibujo. Estamos ante uno de los cómics del 2008. Y duele este olvido. Tras apurar el cigarro y arrojar la colilla, el recién llegado desciende a la calle y comienza su búsqueda. Ben Katchor es su objetivo. Sabe que tiene un único amigo en la ciudad: Red. Regenta una pensión. Allí se alojará, allí le esperará. Ben se adueña de la voz narrativa, busca a Curtis Hanson, es su hombre, aunque su desesperación se tornará en rabia cuando se encuentre ante su tumba, la fecha es falsa, sabe que es otra de las mentiras de Hanson. A partir de entonces el recuerdo se alterna con la búsqueda, navegamos las vidas y los recovecos de Ben y Curtis, y la venganza, latente, parece un modo de alargar la vida. La narración de Cava, fluida, es llevada con mano de hierro en una historia donde lo que no se cuenta adquiere un sentido y toma cuerpo con el paso de las viñetas cuando el resorte final sorprende por inesperado y audaz. El dibujo de Seguí elegante en el trazo, en la composición, no deja de brillar hasta la última plancha con meritos propios de orfebre, dando carne a un New York creíble, a unos personajes vívidos y acompañados por un color lleno de coherencia. No caigan en el error de perdérselo.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en marzo de 2009)

Los Vaqueros

2009-05-03T23:13:00.007+02:00

Al igual que el año pasado, la Asociación Cultural La Jira de Aspe nos solicitó para su revista anual una historieta. Como saben, realizamos en la anterior edición una página: La Aduana. Pueden verla aquí. La historieta gustó y nos pidieron otra. Esta vez se amplió el espacio y hemos podido disfrutar de dos páginas. Se tituló Los Vaqueros. Es una historia homenaje a una de las Jiras más destacadas de finales de los años 50. Para poder reconstruir aquél jueves de 1956 hablamos con dos personas que lo vivieron. Tras esta pequeña recapitulación de datos nos dimos cuenta que no queríamos que se quedara sólo en el retrato social. Así, utilizamos de nuevo los mismos personajes de La Aduana continuando su historia. El cómic resultante, desde luego, ha tomado un volumen inesperado. Los Vaqueros apareció en la revista El Último Jueves nº13 en marzo de 2009. El dibujante fue Miguel Ángel Díez. Su trabajo, como siempre, es maravilloso. Aquí abajo les dejo un par de viñetas de muestra de Los Vaqueros, espero les guste.

Ideas negras

2009-04-22T00:08:00.000+02:00

Ideas Negras. Franquin. Dolmen Editorial. Cartoné. 80 págs. B/N.

No, la verdad es que todavía no les había hablado de Franquin. Maestro de la escuela franco belga, la otra cara de la moneda en su concepción artística, a la tesis de Hergé y su Tintín. André Franquin (Etterbeek, Bélgica, 1924 – Sant Laurent du Var, Francia 1997) comenzó a publicar en la revista Spirou en 1946. La historieta de doce planchas Le Tank aparecida en L’almanach Spirou en 1947 supuso la confianza de Jijé en su persona para continuar las andanzas de Spirou y Fantasio, serie emblemática de la bande dessinée, la cual dibujó hasta 1968. Aunque no fue hasta 1957 cuando creó al personaje que le otorgaría mayor fama: Gaston Lagaffe, conocido entre nosotros como Tomas el Gafe, empleado de editorial, cuya única cualidad es la de provocar continuos desastres, antecesor de la figura del anti-héroe y referente de nuestro Botones Sacarino. Y es que la influencia de este maestro atravesó fronteras e influyó, e influye, en las venideras generaciones. En 1977 junto a Yvan Delporte crea para la revista Journal Spirou un suplemento autónomo, Le Trombone Illustré. Fue aquí donde Franquin comenzó a realizar la que esta considerada como una de las obras maestras del humor, sus Ideas Negras. Tras el cierre de este suplemento, Fluide Glacial fue la cabecera que alojó la continuidad de la serie. Fue recopilada en dos álbumes en 1981 y 1984, y su edición integral no se produjo hasta el año 2001. En España no la vimos publicada en su versión definitiva hasta 2004, de la mano de Dolmen Editorial. Un humor feroz, libre, sin cortapisa alguna, verdadera cima del humor negro, atraviesa las planchas de este trabajo, realizado en forma de gags de media a una página. El dibujo toma cuerpo en base a siluetas negras. No deja títere con cabeza, la caza, los ejércitos, la guerra, la religión, la clase política, la polución, etc. Es la suma de todos los conocimientos de una carrera, verdadero tour de force, de concisión, de narración, lección magistral de dibujo con una narrativa de una movilidad tan sólo comparable a la de nuestro genial Coll. Nada se salva, nada se deja de criticar con una libertad que ya quisiéramos encontrar en esta actualidad tan monacal y políticamente correcta. Si no la han leído, si no la conocen, debería de ser su próxima lectura. Créanme. Ya tardan.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en enero de 2009)

La vida en viñetas. Historias autobiográficas

2009-04-11T15:50:00.000+02:00

La vida en viñetas. Historias autobiográficas. Will Eisner. Norma Editorial. Cartoné. 478 págs. B/N y sepia.

Estamos de enhorabuena. Acaba de aparecer este volumen de historias del maestro de los cómics por excelencia. Will Eisner nació en Brooklyn, New York en 1917 y murió en Lauderdale Lakes, Florida en 2005. En esta antología vamos a encontrarnos con la recopilación de dos narraciones cortas y de tres novelas gráficas. Todas tienen el denominador común de ser vehículos en los que el autor volcó parte de sus vivencias.
Crepúsculo en Sunshine City (1985) es la historia de Henry Klop un jubilado neoyorkino que va a marcharse a la calida Florida para pasar sus últimos años de vida. Comienza con el traspaso de su negocio y los recuerdos inundando su mente mientras cae una nevada. Cuando le preguntan “¿Qué te queda aquí?”, Henry contestará: “Recuerdos, un montón de recuerdos”. Will Eisner siguió el mismo periplo que su personaje.
El Soñador (1986) es una de las obras más importantes de Eisner y una de las que más me han influenciado a título personal. Bill es un soñador. Desea trabajar dibujando cómics. Seguiremos su arduo camino hasta que llegue a convertirse en autor. Este trabajo que empezó siendo una obra de ficción acaba convirtiéndose en un referente histórico de los orígenes de los cómics. Entre los personajes, encontraremos camuflados a autores míticos de la talla de Bob Kane, creador de Batman o de Jack Kirby co-creador del universo Marvel.
Viaje al corazón de la tormenta (1990) es la obra más claramente autobiográfica. Will Eisner sentado en un tren en el año 1942 viaja para incorporarse a filas durante la Segunda Guerra Mundial. Cuenta por medio de flashbacks la infancia y la adolescencia de nuestro autor, así como la historia de su familia. Este trabajo es la obra con más carga emocional de esta antología.
Las reglas del juego (2001) narra las vivencias de la familia de Ann la mujer de Will Eisner. Es una obra coral donde veremos la ascensión y caída del déspota Conrad Arnheim. Y finalmente, El día en que me convertí en un profesional (2005) de tan sólo cuatro planchas nos devuelve a Bill el protagonista de El Soñador y su eterno viaje acompañado de su portafolio de muestras.
Les recomiendo este álbum. Para estas fechas un regalo original y de gran calidad. Indispensable.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en diciembre de 2008)

Waslala

2009-04-05T19:57:00.013+02:00

La Tetería Waslala está situada en la calle Argensola, 3 del casco antiguo de Alicante, en pleno corazón de la ciudad. Detenerse a disfrutar de este entorno privilegiado y fuera de lo normal es prácticamente una obligación a todo aquel que nos visite. Pedro y Luisa, los responsables, les acojerán con mano amiga y trato exquisito. Ya lo verán. Hace unos meses me pidieron que para su nueva carta les escribiera un pequeño cuento. Desde Enero pasado la carta de la Tetería Waslala tiene a bien acogerlo entre sus páginas. Lo escribí con todo el cariño del mundo. Espero que les guste:

Waslala

Waslala, reza el letrero. Leí mejor: Tetería Waslala. Había caminado sin rumbo. Llevaba mucho tiempo atascado en la resolución de un cuento. La pluma seca en el bolsillo era el cuerpo del delito. Waslala no existe, me dije, es un imposible, una ilusión. Nunca creí en utopías. Una estrella de papel ilumina la entrada. La enrejada abierta ofrece entrar hasta una puerta de madera con ojos de cristal cuyas aguas parpadean imágenes anegadas de ocre envuelta entre muros centenarios. Pasé. El hálito de calor me relaja, una luna llena de azul me mira y el rumor del agua con su leve torrentera de murmullo de beso acaricia mi alma. Pinocho sentado en un columpio gira su cabeza. Un caballo alado, Pegaso quizás, vuela surcando sueños de aserrín. Las ventanas de Waslala dan a otros mundos. Un niño con pijama contempla la noche, sueña olvidos e imagina ser un principito a la vez que un hada sentada en la contraventana me pide silencio. No despiertes, no lo despiertes, me dice al agitar sus alitas de rama de arbusto. Waslala, suspiré, un lugar donde refrescar los veranos, un lugar donde encontrar abrigo en los inviernos. El aroma del té lo envuelve todo ¿Existe este lugar? ¿Es posible? Escuché una voz, no supe de dónde: té de la mejor calidad, agua mineralizada y azúcar de caña integral de agricultura ecológica. Me senté al fondo donde una fuente habla de un imposible con la letra grabada en la piedra mientras el agua bosteza círculos en el pozal. El ambiente relajado detiene el tiempo en este lugar de ensueño. Deseé no despertar. Abrí la carta. La lista, no sólo de tes, era de impresión. Volvió la voz: hasta las diez y media junto a tu consumición te ofrecemos una degustación gratuita y diferente cada día. Apostamos por productos de comercio justo y de agricultura ecológica. Cerca, había una estantería de cristal. En su interior, libros de sueño dulce con palabras escondidas entre páginas de lavanda. Leí los títulos. Aún no han sido escritos, escuché. Los conozco, repliqué al levantar la vista. Sentado sobre el marco de un cuadro, un ángel con un libro abierto sobre las piernas me mira con la melancolía del buscador de palabras. No todos, aunque se escribirán más pronto o más tarde, me dijo. Volví a leer los lomos. Tenía razón. Al final del primer estante encontré mi nombre junto a un título que desconocía. Lo cogí sorprendido. Amarillento de tiempo, la humedad ahuecaba sus páginas. Lo abrí. Estaba en blanco. Luisa me había preparado un té. Pedro me lo sirvió en la mesa. No recuerdo cómo supe sus nombres ni tampoco cómo acertaron con el té que deseaba. Miré el blanco de la página, el abismo. Bebí del té. Su sabor anegó mi garganta abrasada de civilización. Me sentí renacer. Llevaba meses atascado sin escribir. Pinocho y el caballo alado, Pegaso quizás, jugaban iluminados por una luna llena de azul. El hada pedía silencio. El rumor del agua envolvía los aromas de té. El ángel sonreía. Nunca creí en utopías. Estaba equivocado. Saqué la pluma seca de mi bolsillo, el cuerpo del delito, y comencé a escribir: Waslala, reza el letrero…

Batman, la broma asesina

2009-03-29T22:00:00.000+02:00

Batman, la broma asesina. Alan Moore, Brian Bolland. Ediciones Zinco, Norma Editorial, Planeta DeAgostini. Prestigio. 48 págs. Color.

Gotas de lluvia se derraman sobre una calzada. Unos faros alumbran una verja y descubren un texto: Asilo de Arkham para criminales dementes. Un escalofrío nos recorre la espalda. La figura de Batman recortada bajo la lluvia abandona el coche y se dirige a la entrada. El comisario Gordon le espera. Atraviesan pasillos y celdas hasta llegar a una sala de interrogatorios. Entra Batman, Gordon queda fuera. Un personaje entre sombras juega con una baraja de cartas. Se escucha al narrador. “Había una vez dos tipos en un manicomio…”. El principio de esta obra nos corta el aliento. Se cumplen veinte años de su publicación, apareció en 1988 y fue un rápido éxito de ventas. En 1999 recibiría varios premios Eisner, los considerados como Oscars de los cómics, a la Mejor Novela Gráfica, al Mejor Guionista y al Mejor Dibujante. Alan Moore (Northampton, Inglaterra, 1953) y Brian Bolland (Lincolnshire, Inglaterra, 1951), guionista y dibujante respectivamente crearon una de las historias más importantes de Batman, así como de su principal antagonista, el Joker. Moore acababa de publicar Watchmen y estaba considerado como uno de los mejores guionistas de todos los tiempos. Brian Bolland tras su serie Camelot 3000 se había labrado una reputación. Juntos realizaron la historia definitiva del Joker. Nunca nadie había explicado el origen de este villano psicópata, y nunca se había profundizado como lo hicieron los autores entre los entresijos de su pasado. La capacidad de aguante de una mente enfrentada a la presión ejercida por sus actos. La culpa como motor de la historia, y de cómo los personajes se enfrentan a sus miedos, a sus carencias afectivas y a una lucha constante y sin fin. Le dice Batman al Joker: “He estado pensando últimamente sobre nosotros. Sobre lo que va a ocurrirnos al final. Nos mataremos el uno al otro ¿verdad?” Un presagio. Un final predecible que el genio del guionista británico hará variar en un giro narrativo magistral dejándonos con una respuesta que no esperábamos. Las dos caras de la moneda, los dos rostros de la culpa, lo encarnan Batman y el Joker. Una obra sin concesiones.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en noviembre de 2008)

Sambre

2009-03-20T16:50:00.001+01:00

Sambre. Yslaire, Balac. Ediciones Glénat España. Cartoné. Cinco tomos. 48 págs c/u. Color.

Ya nada me importa… es el título del primer tomo de esta serie. Es una historia de amor, violencia y delirios. Ambientada en el siglo XIX en la Francia rural, recuerda casi al instante el retrato fiel que de esta sociedad realizara Balzac. No en vano el guionista usa el seudónimo de Balac en claro homenaje. En su lectura nos sacuden reminiscencias de Rojo y Negro de Stendhal o de Cumbres Borrascosas de Emily Brontë. Es la pasión hecha historieta. Es la historia de la estirpe de los Sambre. Bernard Hislaire (Bruselas, Bélgica, 1957) y Yann Le Pennetier (Marsella, Francia, 1954) dibujante y guionista respectivamente, crearon a mediados de la década de los ochenta este trabajo. Bajo los seudónimos de Yslaire y Balac realizaron la que está considerada como una de las obras maestras de la historieta. Apareció en la revista Circus. Inmediatamente fue aclamada por crítica y público. Sambre vio la luz debido a circunstancias especiales que rodeaban a sus autores. El dibujante, Hislaire, atravesaba por un momento de necesidad creativa. Su anterior serie de humor, Bidouille & Violette, no había tenido aceptación. Como más tarde reconocería, cambio el rumbo: “Ma boussole indiquait le sud”. Yann era un guionista orientado a series cómicas y de aventuras. Con este trabajo quería ofrecer una nueva faceta para evitar encasillarse. Hugo Sambre se ha suicidado clavándose unas agujas en los ojos. En su agonía, su sangre se derrama sobre el manuscrito que está escribiendo. En su funeral nadie falta, todos están presentes, aunque realmente la asistencia se debe al partido que representa su joven viuda. Bernard Sambre, su hijo, después del funeral camina sin rumbo perdiéndose. Comienza a llover. El joven se refugia bajo un puente. No está sólo. Al volverse se encontrará con Julie la furtiva. Al mirarla a los ojos se desarmará. Son ojos de brasa. Envueltos entre truenos y relámpagos quedan prendidos el uno del otro. Julie le pide que le demuestre su amor donde ella le indique. Bernard acepta. Ella le esperará envuelta en un vestido translucido más allá de las doce en el cementerio, en la tumba de su padre recién enterrado. Se amarán sobre la fría piedra. Establecerán un vínculo inmortal imposible de entender. Serán separados. La lucha por ese amor nos envolverá página a página entre viñetas de estremecedora belleza. Imprescindible.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en septiembre de 2008)

Miguel Ángel Díez. Bibliografía. Ilustración

2009-03-12T20:12:00.008+01:00

Seguimos con la publicación de la bibliografía de Miguel Ángel Díez. Ahora el turno es para los libros que ha ilustrado. A partir de ahora, cada año confeccionaré una entrada con sus trabajos.

2007 Estela. Pablo Albo. Col. Trampantojo. Barcelona. Thule Ediciones.

2007 Mi abuelo Simón lo sabe. Nieves Pérez Rivero. Los álbumes de sopa de libros. Madrid. Anaya.

2007 El cartero de Bagdad. Marcos S. Calveiro. Col. Ala Delta, Serie verde, vol.:65. Zaragoza. Editorial Luis Vives. Edelvives.

2008 Los animales de la lluvia. Pedro Villar. Col. Diálogo infantil, libros muy ilustrados, vol.:11. Valencia. Editorial Diálogo. Editilde S.L.

2008 El castellano viejo y otros artículos. Mariano Jose de Larra (Adaptación de Miguel Ángel Ortega). Col. Adarga, vol.:8. Zaragoza. Editorial Luis Vives. Edelvives.

El silencio de Malka

2009-03-06T16:03:00.005+01:00

El silencio de Malka. Jorge Zentner, Rubén Pellejero. Ediciones Glénat España. Rustica. 86 págs. Color.

La palabra EMET en hebreo significa verdad. Existe la creencia, y la fe, qué, si se escribe esta palabra en un hombre de barro, éste cobrará vida. Si se borrara la primera letra, el alef, la palabra resultante sería MET que significa muerto. Es entonces cuando el hombre volvería a ser barro. Este hombre, este mito recibe el nombre de Golem.
Jorge Zentner (Basavilvaso, Argentina, 1953) y Rubén Pellejero (Badalona, Barcelona, 1952) han colaborado juntos desde el inicio de la década de los ochenta. Sin lugar a dudas su trabajo más premiado y reconocido es El silencio de Malka, ganadora en 1997 del prestigioso premio Alph-Art en Angoulême a la mejor obra extranjera. Siendo además finalista en los premios otorgados por el Saló del Cómic de Barcelona.
Zentner nació en Argentina en el seno de una familia judía que había emigrado desde Europa huyendo de los abominables pogroms, palabra rusa que significa ataque o disturbio. Siempre intentó conocer la historia de esta huída aunque su abuela no la recordaba con claridad; hasta que alguien mencionó la palabra London. Los recuerdos volvieron lúcidos. Y narró el viaje desde Besarabia, en la Rusia zarista más profunda, hasta London, regresando de nuevo a Besarabia para huir hasta Odessa y de allí partir en barco a Argentina. “Cuando pasábamos por Brasil hubo una tormenta […] casi me caigo al agua; me salvó un primo, que estaba cerca y alcanzó a agarrarme de las trenzas. En ese relato, en esas trenzas pelirrojas está el origen de El silencio de Malka”, nos cuenta Zentner.
Malka es una niña judía que con su familia huye de Rusia hasta Argentina. El paraíso prometido en este país no es tal. Sequías, plagas, semillas de mala calidad harán que la vida en Entre-Ríos sea difícil y penosa para estos emigrantes. Hasta que un día Zelick, su tío, recibe ayuda divina por medio del profeta Elías y obtiene el permiso para crear un Golem. Zentner y Pellejero abandonan el registro de historieta de aventura para entregarnos un trabajo autobiográfico y poético, donde las líneas se sintetizan y el color embarga, donde cielos y campos adquieren el valor de personaje, y la vida, nace del barro cuando una palabra se escribe. EMET, verdad. No la dejen pasar.

(Columna Noveno Arte publicada originalmente en el periódico 30 Días en junio de 2008)